Dominique Aury, née en 1907 et morte en 1998, est l’autrice d’Histoire d’Ô. Elle a assuré la fonction de secrétaire générale de La Nouvelle Revue Française, a été traductrice en langue anglaise, mais aussi poétesse.
1912, traduit par Henri Abril, in « Les poésies d’amour » éditions Circé
Anna Akhmatova a appris aux femmes russes à parler d’amour. Dans les années 10, elle devient une véritable star, les jeunes femmes l’imitent dans ses vêtements et sa coiffure; elle suscite de multiples vocations poétiques. Elle fut largement ostracisée par le pouvoir et frappée de l’interdiction de publier de 1946 à 1958.
Portrait : wikipedia, licence creative commons (portrait by Kuzma Petrov-Vodkin)
« J’ai besoin de sentir que chaque pièce, chaque livre, chaque projet d’écriture, m’est essentiel ou m’est nécessaire. pas seulement à moi, mais me semble nécessaire ou fait de la lumière sur un propos qui me semble incontournable, ici et maintenant. J’ai vraiment besoin de sentir une assise, parfois morale, parfois politique, à la prise de parole. » Octobre 2016
Cette pièce fait partie d’une trilogie, dont elle est le deuxième volet, composée de « Ils étaient quatre », de Mathieu Gosselin et Mani Soleymanlou, et close par « Huit » de Mani Soleymanlou.
Trois comédiennes, Julie, Kathleen et Geneviève se livrent, sans tabous, le temps d’un cinq à sept.
La frontière entre fiction et réalité est particulièrement ténue. Parlent-elles de leurs expérience ou le texte est-il pure fiction ? Il y a fort à parier qu’il soit tissé des deux.
Cette parole libre fait particulièrement du bien : on s’y reconnaît ou pas, mais le langage, parfois cru, dynamite les tabous de manière salutaire.
L’amour, le couple, le désir, la sexualité, les contraintes sociales et la morale sont au cœur de ces dialogues.
« Si on mettait pas autant d’énergie et de temps à focusser sur son propre corps et sur l’apparence de celui des autres, ça se passerait TRES bien. Même que si j’étais toute seule sur une île déserte, je pense que sans miroir, je pourrais me trouver assez cute. »
Des femmes qui revendiquent leur plaisir et leur goût de l’amour et de la jouissance, c’est assez rare, ici, en France, ou alors cette parole reste confidentielle, un peu « underground ».
Vendela Vida – Se souvenir des jours heureux (The lovers, 2010) – pour la traduction française, Adèle Carasso, Albin Michel , 2011
Yvonne, veuve depuis peu, accepte l’invitation de ses enfants à les rejoindre pour une croisière en Méditerranée. Auparavant, elle passera une semaine seule à Datça, sur la côte turque, où elle avait séjourné avec son mari pour leur lune de miel.
Ce séjour ravive en elle le souvenir des jours heureux, désormais enfuis. Son séjour sera jalonnée de rencontres, notamment celle d’un petit garçon pêcheur de coquillages…
J’avais acheté ce livre lors d’un des derniers Festival America, un peu au hasard, sans connaître ni l’autrice, ni son œuvre.
Ce roman est déconcertant à plusieurs égards. Peut-être le foisonnement des questions qui l’habitent instaure-t-il une fome digressive dans le récit qui le rend un peu bancale ou un peu étrange.
Finalement, se souvenir des jours heureux pourrait être vain, le bonheur étant une utopie rarement atteinte. Certes, Yvonne a aimé son mari mais les tensions dans leur couple, les non-dits, leurs échanges conflictuels à propos de leur fille rebelle et fragile, mais aussi de leur fils, ont-ils altéré profondément leur mariage.
De même Datça, sorte de paradis perdu, se révèle-t-il le lieu de toutes les contradictions entre l’orient et l’occident. Ce qu’elle avait ignoré à l’époque, les rapports économiques, de domination, une forme d’exploitation à travers le tourisme, la pauvreté, soudain parviennent à sa conscience. Elle se heurte à l’animosité de certains turcs et finit par prendre conscience d’une forme d’arrogance de cet occident qu’elle représente.
« Vous les Américains. Vous pensez toujours que tout est lié à vous. Que tout – bon ou mauvais – vient de vous. »
Ce voyage est un voyage initiatique dans lequel elle va finir par se trouver elle-même, loin des clichés, avec sa part de solitude mais peut-être un peu plus libre qu’avant.
Un jeu un peu torturé de chronique en vers libre ! 🙂
Clémentine Beauvais accomplit un tour de force littéraire et un travail formel de grande ampleur à travers ce roman en vers libre inspiré de l’œuvre d’Alexandre Pouchkine.
Elle parvient à traduire dans un récit universel, les troubles, les atermoiements et les émerveillements du sentiment amoureux à travers les personnages de Tatiana et Eugène qui se rencontrent au début de l’adolescence, se perdent lors d’un événement tragique pour se retrouver par hasard dix ans après.
Une petite merveille littéraire qui continue de faire son chemin, en livre de poche, et a permis selon certains de « secouer la littérature », de réconcilier poésie et roman, de faire sentir la musicalité et le rythme de la langue, tout en jouant avec délectation avec l’histoire littéraire et la mise en réseau du patrimoine et matrimoine littéraire.
Elle prouve aux jeunes et aux moins jeunes que la culture n’est pas ennuyeuse, que des liens se tissent entre les œuvres, de manière parfois souterraine, et qu’à travers le temps et l’espace les thèmes sont universels.
La réflexion sur la forme et son possible carcan, surgit au détour de cette lettre d’amour écrite par Tatiana, convoquant les vers de Ronsard, Charles Baudelaire, Victor Hugo, Aragon, Arthur Rimbaud, Marie-Hortense de Villedieu et quelques autres. Le personnage s’interroge à la fin de cet exercice épistolaire :
» Parfois, s’aperçoit-elle, on veut trop bien faire,
Faire alexandrin quand on peut faire libre. Faire rime quand on peu faire résonance. Faire écrit quand on peut faire ému. »
L’autrice crée un univers romanesque et poétique dans lequel la forme ne sacrifie ni au fond, ni à l’émotion.
Toute une réflexion passionnante sur le fond et la forme, sur les contraintes d’écriture, (que l’on songe à l’OULIPO par exemple), qui selon certains stimulent la créativité et selon d’autres épuisent le fond, ce que l’on a à dire, en faveur de la forme (la façon de le dire), en contraignant la pensée à enfiler un costume parfois trop étroit.
Un pur bonheur de lecture.
Je viens d’apprendre que ce roman est adapté au théâtre par Justine Heynemann avec six jeunes comédien·nes et musicien·nes de la compagnie Soy.
Nathalie Papin – Le pays de Rien – L’école des loisirs, 2002
Marie Dilasser, dans une interview, confie que les contes de fée lui ont gâché son enfance, en lui faisant croire qu’elle était un monstre. Et à bien des égards, je suis d’accord avec elle. Les filles qui ont droit à l’amour, sont toujours riches (ou nobles) ou en potentialité de l’être, belles, vertueuses et hétérosexuelles. Il est possible que la téléréalité soit un effet de cette conception de la réussite et de l’amour.
Dans ce conte, il y a bien un roi et une princesse, mais ils sont tout à fait originaux. Le Roi comme beaucoup, fait la guerre, mais l’objet de son courroux est ce qui constitue notre humaine nature. En effet, il chasse les cris, les larmes, les couleurs, les soupirs, les rêves et les enferme dans des cages. Donc le pays du rien, ce n’est pas le néant, mais l’absence et l’ennui. Un pays du « grand silence, et de la grande immobilité ». Jusqu’au jour où un jeune garçon arrive en sifflotant…
Alors bien sûr, ce conte permet un questionnement philosophique sur le pouvoir, la démocratie et l’émancipation. A vouloir s’épargner la douleur, on se condamne également à n’éprouver aucune joie. Dans un univers, où tout se répète indéfiniment, où le corps est contrait à l’immobilité, anesthésié, aucun rêve, ni aucun espoir ne sont possibles.
Il questionne habilement la liberté et le désir d’émancipation de cette fille vis-à-vis de son père face à une représentation du monde qui ne lui convient pas. Pour s’émanciper, elle devra désobéir, accueillir la singularité de l’autre, facteur de désordre, mais aussi possibilité d’amour.
Le corps est lieu de notre finitude, sceau de notre humanité, de nos fragilités mais aussi de notre résilience et de notre force face à l’adversité.
Beaucoup d’autres interprétations sont encore possibles.
Je dois aller voir cette pièce le 02 avril, au théâtre de Sartrouville, dans la mise mise en scène de BETTY HEURTEBISE qui promet d’être absolument somptueuse, en espérant qu’elle ne sera pas annulée.
avec Youna Noiret, Guillaume Mika, Olivier Waibel vidéo Valéry Faidherbe, Sonia Cruchon (Collectif sur le toit) scénographie et costumes Cécile Léna lumière Jean-Pascal Pracht son Sylvain Gaillard, Nicolas Barillot chants Lousse construction décor Rémi Laureau, Franck Lesgourgues, Sylviane Lièvremont régie générale, régie lumières et régie vidéo Véronique Bridier régie son et régie plateau Sylvain Gaillard costumes Patricia Depetiville graphisme Mikaël Cixous, Veronica Holguin (Collectif sur le toit) chargé de production Joachim Gatti chargée de diffusion Céline Vaucenat production déléguée Cie La Petite Fabrique
La magie d’une époque, la beauté de cette alliance entre la voix et le texte. Jeanne Moreau chante un poème de Louise de Vilmorin (1902-1969): « Demain » sur une musique de Pierre Petit (1922-2000). Extrait de la comédie musicale « Migraine » écrite et composée en 1959
Litterama Les femmes en littérature/ La poétesse a le devoir d'être femme, de tenir le monde à l'oeil et d'être entendue/ Grace Paley 