Catégorie / Pièces de théâtre

by Anna G

Cinq à sept – Fanny Britt

Cinq à sept Fanny Britt- L’Instant scène – 2017

Cette pièce fait partie d’une trilogie, dont elle est le deuxième volet, composée de « Ils étaient quatre », de Mathieu Gosselin et Mani Soleymanlou, et close par « Huit » de Mani Soleymanlou.

Trois comédiennes, Julie, Kathleen et Geneviève se livrent, sans tabous, le temps d’un cinq à sept.

La frontière entre fiction et réalité est particulièrement ténue. Parlent-elles de leurs expérience ou le texte est-il pure fiction ? Il y a fort à parier qu’il soit tissé des deux.

Cette parole libre fait particulièrement du bien : on s’y reconnaît ou pas, mais le langage, parfois cru, dynamite les tabous de manière salutaire.

L’amour, le couple, le désir, la sexualité, les contraintes sociales et la morale sont au cœur de ces dialogues.

«   Si on mettait pas autant d’énergie et de temps à focusser sur son propre corps et sur l’apparence de celui des autres, ça se passerait TRES bien. Même que si j’étais toute seule sur une île déserte, je pense que sans miroir, je pourrais me trouver assez cute. »

Des femmes qui revendiquent leur plaisir et leur goût de l’amour et de la jouissance, c’est assez rare, ici, en France, ou alors cette parole reste confidentielle, un peu « underground ».

Rafraichissant. Merci les filles.

by Anna G

Songe à la douceur – Clémentine Beauvais/ Justine Heynemann

by Anna G

LE PAYS DE RIEN

NATHALIE PAPIN / BETTY HEURTEBISE / LA PETITE FABRIQUE

https://vimeo.com/217033511
by Anna G

Nathalie Papin – Le pays de Rien/ Un écho au Rien d’aujourd’hui – D’ailleurs, le Rien deviendrait-il politiquement correct ?

Nathalie Papin – Le pays de Rien – L’école des loisirs, 2002

Marie Dilasser, dans une interview, confie que les contes de fée lui ont gâché son enfance, en lui faisant croire qu’elle était un monstre. Et à bien des égards, je suis d’accord avec elle. Les filles qui ont droit à l’amour, sont toujours riches (ou nobles) ou en potentialité de l’être, belles, vertueuses et hétérosexuelles. Il est possible que la téléréalité soit un effet de cette conception de la réussite et de l’amour.

Dans ce conte, il y a bien un roi et une princesse, mais ils sont tout à fait originaux. Le Roi comme beaucoup, fait la guerre, mais l’objet de son courroux est ce qui constitue notre humaine nature. En effet, il chasse les cris, les larmes, les couleurs, les soupirs, les rêves et les enferme dans des cages. Donc le pays du rien, ce n’est pas le néant, mais l’absence et l’ennui. Un pays du « grand silence, et de la grande immobilité ».  Jusqu’au jour où un jeune garçon arrive en sifflotant…

Alors bien sûr, ce conte permet un questionnement philosophique sur le pouvoir, la démocratie et l’émancipation. A vouloir s’épargner la douleur, on se condamne également à n’éprouver aucune joie. Dans un univers, où tout se répète indéfiniment, où le corps est contrait à l’immobilité, anesthésié, aucun rêve, ni aucun espoir ne sont possibles.

 Il questionne habilement la liberté et le désir d’émancipation de cette fille vis-à-vis de son père face à une représentation du monde qui ne lui convient pas. Pour s’émanciper, elle devra désobéir, accueillir la singularité de l’autre, facteur de désordre, mais aussi possibilité d’amour.

Le corps est  lieu de notre finitude, sceau de notre humanité, de nos fragilités mais aussi de notre résilience et de notre force face à l’adversité.

Beaucoup d’autres interprétations sont encore possibles.

Je dois aller voir cette pièce le 02 avril, au théâtre de Sartrouville, dans la mise mise en scène de BETTY HEURTEBISE qui promet d’être absolument somptueuse, en espérant qu’elle ne sera pas annulée.

avec Youna Noiret, Guillaume Mika, Olivier Waibel
vidéo Valéry Faidherbe, Sonia Cruchon (Collectif sur le toit)
scénographie et costumes Cécile Léna
lumière Jean-Pascal Pracht
son Sylvain Gaillard, Nicolas Barillot
chants Lousse
construction décor Rémi Laureau, Franck Lesgourgues, Sylviane Lièvremont
régie générale, régie lumières et régie vidéo Véronique Bridier
régie son et régie plateau Sylvain Gaillard
costumes Patricia Depetiville
graphisme Mikaël Cixous, Veronica Holguin (Collectif sur le toit)
chargé de production Joachim Gatti
chargée de diffusion Céline Vaucenat
production déléguée Cie La Petite Fabrique

Image mise en avant : licence creative commons

by Anna G

ARTCENA – Catherine Benhamou présente « Romance »

by Anna G

Romance Catherine Benhamou/ Grand Prix de Littérature Dramatique 2020

Romance Catherine Benhamou Koïnè Editions, 2019 – Grand Prix de Littérature Dramatique 2020

Romance - Catherine Benhamou - theatre-contemporain.net

De ce texte dense, au bord du souffle, et dans lequel il faut d’abord s’immerger, trouver sa propre respiration, partiemment, qui convoque notre propre corps dans une lecture, où chaque nerf est une corde tendue prête à vibrer, chaque pouce de chair un réceptacle à l’émotion, on ne peut ressortir indifférent.

La lecture peut être cela, le corps qui s’écrit en même temps qu’il lit. Et c’est parfois le miracle du texte dramatique, et aussi le miracle de la lecture…

Jasmine est une jeune fille de seize ans qui rêve de sortir de l’invisibilité :

« […] ici quand vous êtes une fille, tout ce que vous pouvez faire c’est vous rendre invisible pour éviter les embrouilles […] »

La narratrice s’adresse à la mère d’Imène, tentant de  comprendre ce qui a poussé Jasmine à choisir un rêve de sang et de mort, seul rêve qu’elle croit à sa portée, hors des mots et du langage. Un rêve qui ne serait qu’une onomatopée, « Boum ».  Un rêve d’un seul mot mais à multiples résonnances.

Une idée fixe, la répétition de ces mots qui s’enroulent sur eux-mêmes, en boule, comme celle qu’on a dans la gorge, ou à l’estomac, partout où ça se noue : « ça bouchait tout comme sur une photo quand on a laissé son pouce sur l’objectif ».

Il faut se méfier, toujours, de ce qui se résumerait à un seul mot ou à deux : amour par exemple ou amour toujours. Dans lesquels il n’y a pas d’aller retour possible, pas d’échappatoire.

Jasmine trouve donc l’amour sur Internet, son corps, quatre vingt kilos et le regard éteint d’un homme fiché S.

Pour lui, l’amour c’est à la vie à la mort, il la brûlerait vive plutôt que d’être quitté. Il est ce genre d’homme, la brûtalité à fleur de peau, qui ne se reconnaît jamais dans les mots de l’autre.

Depuis toujours c’est la guerre à l’intérieur de lui « et maintenant c’était une ville morte ».

Mais le pire n’aura peut-être pas lieu, grâce à Imène, qui porte toutes les voix dans la sienne comme autant de possibles.

Avant d’écrire Romance, Catherine Benhamou, a mené un atelier d’écriture en Seine-Saint-Denis, « où des jeunes filles ont exprimé leur malaise et leur peur les poussant à préférer l’invisibilité, juste pour avoir la paix. »

Son écriture se nourrit de ses rencontres, ses mots sont toujours tissés de ceux des autres et des émotions qu’ils suscitent en elle. Elle est aussi profondément politique et questionne l’actualité : pourquoi ces jeunes français.es ont-ils fait le choix de la radicalisation, pourquoi sont-ils partis en Syrie ?

Mais son écriture ne s’instrumentalise jamais, elle reste profondément poétique:

« on voyait son regard, on savait que ce regard ne vous lâcherait pas, qu’il faudrait faire avec et que ce ne serait pas facile »

C’est un peu comme avec sa plume, une fois sous le charme, elle non plus ne vous lâche pas.

oeuvre Tour Eiffel : sur Pixabay Mikka Mobiman

by Anna G

Catherine Benhamou – Ana ou la jeune fille intelligente

Catherine Benhamou Ana ou la jeune fille intelligente des femmes Antoinette Fouque, Paris, 2016

J’ai rencontré la belle écriture de Catherine Benhamou, lors d’un apéro littéraire organisé par une autre belle écrivante, Sarah Pèpe, à travers la lecture publique de « Nina et les managers », lecture vivante et jouée,  du texte qu’il m’avait fallu interroger et avec lequel j’étais entrée en résonance et aussi dans une forme de connivence, si tant est que l’écriture est charnelle et parle autant au corps qu’à l’esprit.

Cela faisait longtemps que je souhaitais lire et voir « Ana ou la jeune fille intelligente », j’avais manqué les dernières représentations à Paris, et je me promettais de lire ce texte car Catherine Benhamou, à l’instar de quelques rares autres,  a ce talent de faire vivre un texte dramatique sans représentation. Les mots créent assez d’espace et de liberté pour créer des images, il s’incarne avec force dans notre lecture intérieure, il s’anime et se joue, pour nous seul.e.s, spectateur ou spectatrice. Il se met en scène. A la lecture, j’entendais les voix, je jouais tous les personnages.

La puissance et la poésie de ce texte, sa mélancolie, lui donne une certaine autonomie et surtout, une grande beauté.

D’une histoire somme toute banale, une très jeune fille mariée  à un homme plus âgé qui vit en France, Catherine Benhamou, crée un conte universel. Il possède une belle oralité et le texte se dit, se murmure, se joue, à haute voix ou dans le langage intérieur. D’ailleurs n’est-il pas enracinée dans la tradition orale de ces femmes tenues hors de l’écriture, « Ana comme analphabète » ?

Et c’est un conte entendu enfant, qui nourrit l’Idée qui la poursuit.

« Il était une fois une jeune fille si intelligente qu’on l’appelait Ana l’intelligente… »

Catherine Benhamou anime depuis plusieurs années des  ateliers avec des femmes en situation d’illettrisme : « Dans ces ateliers, on s’intéresse aux mots, on joue avec eux, on les apprivoise, on les écoute ; ils nous entraînent dans des histoires. 

Les personnalités de ces femmes, leur état de dépendance, d’enfermement, mais aussi leur courage et leur volonté, ce qu’elles m’ont livrée d’elles à travers les exercices, tout cela m’a inspiré le personnage d’Ana, qui parvient à changer sa vie grâce aux mots ».

Au cours d’écriture, Ana joue avec les mots, en décortiquant mariage, elle trouve « rage », « laisser tout en plan ouvrir la porte et partir ».

Son rêve ? Voir la Tour Eiffel. Quelques cailloux en poche, un jour, elle se décide.

Les mots ont-ils le pouvoir de changer nos vies ?

Pour le savoir, il faudra lire et entendre la voix d’Ana. Une voix essentielle dans le monde d’aujourd’hui …

ANA ou la jeune fille intelligente a été créée au Théâtre de l’Opprimé à Paris le 20 mars 2013 dans une mise en scène de Ghislaine Beaudout. La pièce a été interprétée par son auteure du 14 mars au 17 avril 2016 au Théâtre Artistic Athévains et également joué en 2019.

by Anna G

Le Faucon – Marie Laberge / Théâtre québécois

Le Faucon – Marie Laberge – Boréal – 1991

J’ai été transportée et bouleversée par ce texte. Il est rare qu’un texte dramaturgique soit aussi visuel et se prête à ce point à la représentation intérieure. Cela est dû certainement aux photos des comédiens, Jules Philipp et Denise Verville, dans la mise en scène de Gill Champagne, et les photos d’André Panneton qui a illustré la couverture. Les didascalies, assez fouillées et nombreuses, plantent le décor.

Le faucon est la métaphore qui va orienter le récit et donner les clés du drame vécu par Steve, jeune homme de dix-sept ans, accusé d’avoir tué son beau-père. Aline, ancienne religieuse devenue thérapeute, est chargée d’établir le lien avec lui, et d’obtenir la vérité. Le père de Steve, répparaît brusquement dans la vie du jeune homme, alerté par la mère.

« Un bébé faucon peut être nourri par un autre si son père est un mauvais chasseur. D’habitude, c’est la mère qui est obligée de chasser dans ce temps-là. Mais si a laisse le nid, c’est dangereux à cause des prédateurs. Ça arrive qu’un frère s’occupe des autres et qu’y aide la mère en volant plus vite pis en allant chercher la proie dans ses serres quand elle arrive […] »

Le personnage de Steve apporte toute la tension dramatique à ce texte. Révolté, dur, sans complaisance vis-à-vis du monde des adultes, il esquive les questions, emmuré dans son secret, débusque les faux-semblants des adultes et les provoque, les poussant dans leurs retranchements.

Le mur, au milieu de la scène, symbolise l’enfermement mais il est aussi le lieu de l’ouverture possible au monde des adultes. Steve le frappe mais aussi y dessine de merveilleux faucons qui prennent leur envol.

Les événements du dehors sont rapportés par les personnages extérieurs qui eux, vont et viennent de part et d’autre du mur.

Il y a des passages risqués qui pourraient faire basculer le texte dans la mièvrerie, ou une forme de facilité, mais Marie Laberge sait les éviter, le personnage de Steve, provocateur et rebelle, mais aussi puissant, peut tout se permettre, son enfermement n’est que le contrepoint de sa liberté intérieure.

Et comme c’est aussi Québec en novembre :

Pour tout savoir de ce challenge animé par Karine et Yueyin,  rendez-vous sur leurs blogs respectifs.

by Anna G

Les flèches perdues/ lecture par Marie-Pierre Cattino

by Anna G

Les flèches perdues / Marie-Pierre Cattino – Compagnie Koïné

L’extrait donne vraiment envie de voir la pièce ! Le texte prend chair sous la mise en scène d’Evelyne Pérard ! Plus tard dans la semaine, la version longue !

by Anna G

Les flèches perdues – Marie-Pierre Cattino

Les flèches perdues – Marie-Pierre Cattino Koïné éditions, 2012

Les flèches perdues - Marie-Pierre Cattino - Koine - Grand format - Place des Libraires

J’ai rencontré cette œuvre dans des conditions très particulières : j’étais à Marseille et nous avions longé la mer avec ma fille pendant des kilomètres, nous émerveillant de la découverte de cette ville offerte à la Méditerranée, lorsque nous sommes arrivées devant le Mémorial des Rapatriés d’Algérie par César, cette immense pâle d’hélice qui semble tutoyer le ciel, et qui symbolise la traversée de la Méditerranée qu’ont du faire les rapatriés en 1962 pour rejoindre Marseille.

Deux ou trois semaines avant, j’écoutais la chanson de Camélia Jordana, « Dans mon sang un peu de bruine, Toujours lavait mes racines »

Et gravement, à la télévision, Emmanuel Macron parlait de la colonisation comme d’un crime contre l’humanité, suscitant tollé et polémiques, plus rarement quelques approbations et hochements de tête.

La flèche tirée par l’autrice n’a pas été perdue, elle m’a atteinte en plein cœur.

Je ne suis qu’une lectrice, ni critique littéraire, ni encensoir, mes émotions créent les conditions de ce partage entre un.e auteur.e et moi.

La pièce raconte l’histoire de trois jeunes gens, dont deux jeunes hommes partis faire leur service militaire en Algérie en 1956, et l’attente, les embuscades, l’incompréhension face à cette guerre qui ne dit pas vraiment son nom : « pacification… ». « On était là pour maintenir l’ordre, pas pour foutre le bordel ! » s’indigne le frère de Claire.

Ce sont des lettres échangées à la place des cœurs entre Paul et Claire, sa marraine de guerre. C’est le silence autour des mots, les mensonges par omission qui peuplent les missives entre les deux jeunes gens. Le talent de l’autrice est de suggérer, de tisser avec nos souvenirs, avec ce que nous savons ou pas de cette guerre, de nous relier à notre histoire.

Je suis souvent allée chercher des informations au sujet de cette guerre que je connaissais si mal. Cette lecture m’a engagée sur des chemins que je n’avais pas encore vraiment pris, sur une partie de ma mémoire que j’avais occultée.

Elle prouve q’un texte dramatique peut vivre un temps sans représentation si ses mots sont vibrants, si un flux, comme une marée, traverse le texte.

Nous faisons alors notre propre mise en scène, nous peuplons ce lieu encore fantôme de créatures que nous agitons d’abord en tous sens. Mais les silences qui peuplent le récit délimitent et bientôt organisent l’espace de notre scène imaginaire, lui conférent un sens et quelques directions.

Une belle lecture, merci.

by Anna G

Litterama/ Les femmes en littérature : novembre, mois du texte dramatique en soutien aux théâtres, et aux librairies désormais fermées !

Illustration : Héloïse Dorsan

Je me demandais comment traverser ce mois de novembre, si gris et si triste lorsque j’ai reçu mon billet, par la poste, pour une future représentation théâtrale qui n’aura pas lieu. Je pensais à tous ceux dont la vie est bouleversée, si profondément, qu’elle les engage malgré eux sur des chemins creusés d’ornières et de précipices : tous les commerces, mais les librairies, les éditeurs/éditrices, les comédiens/comédiennes, les auteurs/autrices aussi (Il me manque encore l’écriture inclusive).

Alors ce mois de novembre sera consacré à la littérature dramatique illustrée autant que faire se peut par des voix et des visages.

Les trois prochaines lectures seront :

Méchante de Sarah Pèpe/ Les flèches perdues de Marie-Pierre Cattino/ Revanche de Marjorie Fabre

Et j’espère qu’en ma compagnie, vous en lirez beaucoup d’autres !

by Anna G

 Le Secret des Conteuses de Martine Amsili -Théâtre Dejazet du 10 septembre au 12 octobre 2019

Du 10 Septembre au 12 Octobre 2019

Du mardi au samedi à 20 h30. Matinée  samedi à 16 h.

Au théâtre Déjazet  (75003)

 Le Secret des Conteuses est une comédie sur fond d’histoire de France et de Roi Soleil. Nous sommes chez Ninon de Lenclos, courtisane, sublime, spirituelle, piquante, en compagnie de la grande Epistolière Madame de Sévigné, de l’éloquente romancière Mademoiselle de Scudéry, de Madame Scarron (future épouse morganatique de Louis XIV) sans oublier la chambrière de Ninon (Louison). Ces femmes incarnent le temps d’une pièce, sous l’égide de Ninon, le courant sceptique et libertin du XVIIe siècle dont l’impertinent écho portera jusqu’aux cafés célèbres de la Révolution. Nous sommes en 1671, à l’âge d’or du théâtre, des grands épistoliers, du Mercure Galant et de la préciosité. A la faveur d’un secret, des conteuses vont déployer leur verve en toute liberté, et faire montre d’éloquence  afin  d’évoquer un amour singulier. Le Secret des Conteuses nous révèle au fil des scènes, l’héritage social, amoureux et intellectuel auquel la femme d’aujourd’hui pourrait s’identifier sans rougir.

Tarifs :

Première catégorie : 39 euros

Deuxième catégorie : 32 euros

Troisième catégorie : 24 euros

Etudiants : 20 euros

by Anna G

« Logiquimperturbabledufou » de Zabou Breitman /A voir absolument au théâtre du Rond-Point, Paris 8e

« J’avais commencé il y a dix ans à saisir des presque riens, des petites choses, « Le petit chien de Monsieur Bergeret ne regardait jamais le bleu du ciel incomestible. » C’est une phrase rtrouvée chez Anatole France. le spectacle se jourait sur des tapis roulants, on marchait sur place, on courait dssans avancer. Ce sont des visions, des images. L’éloge de la Folie d’Erasme, Lewis Caroll et Alice… Ce sont des moments de la folie, il y a aussi les gens de Depardon, des portraits d’humanités fragiles, enfermées, contraintes. Ce n’est pas une folie spectaculaire, mais une logique imperturbable. […]

La vérité et la folie ne se trouvent jamais là où on imagine. »

J’ai assisté aujourd’hui à cette très belle pièce, sensible, drôle, poétique et poignante.

Les comédiens sont d’une virtuosité et d’une rare justesse, entre déraison et poésie. Leur jeu est d’une grande précision; ils n’en font jamais trop mais parviennent à nous faire saisir un personnage, une atmosphère. La souffrance est parfois silencieuse, dans la désarticulation des corps, la profondeur d’un regard, l’immobilité et la stupeur, plutôt que dans l’agitation.

La mise en scène est extrêmement bien pensée, rythmée, intégrant la musique, la danse , le chant, mais le tout dans un bel équilibre.

J’ai été subjuguée …

Et c’est du 9 mai au 2 juin, à 21H, le dimanche à 15H30, relâche les lundis.

by Anna G

du 24 au 27 avril – PRESQU’ILLES CABARET SUR LA FÉMINISATION DE LA LANGUE FRANÇAISE du 24 avril au 27 avril 2019

Théâtre de la Reine Blanche

La Reine Blanche est un lieu de culture indépendant, une scène des arts et des sciences située au nord de Paris.

Sarah Pèpe, autrice talentueuse, passionnée et engagée propose un texte inédit sur la féminisation de la langue française.

Cabaret sur la féminisation de la langue française

Elle prend la parole et se présente en tant qu’autrice. Sitôt le mot lâché, il suscite des réactions d’une violence inattendue. Alors, elle décide de prendre sa défense, et voici qu’une sorte de tribunal surgit, qui verra des expertes plaider en sa faveur. Bientôt, d’autres figures, sorties de l’Histoire, viendront nous révéler les résistances qui ont entravé la féminisation de la langue.

 Production Compagnie M42 — Coproduction DSN — Dieppe Scène Nationale et Théâtre du château de la ville d’Eu
↘ Avec l’aide de la DRAC Normandie, de la Spedidam, de la délégation départementale à l’égalité F/​H et aux droits des femmes.
↘ Avec l’aide du Jeune Théâtre National.
↘ Avec le soutien de La Factorie, Val-de-Reuil, de l’Étincelle, théâtre de la ville de Rouen.
↘ Le spectacle a reçu le soutien du CDN Normandie Rouen dans le cadre d’une résidence artistique

TEXTE=Sarah Pèpe
MISE EN SCÈNE=Louise Dudek
AVEC=Alvie Bitemo + Clémence Laboureau + Pier Lamandé + Soizic Martin + en alternance Claudia Mongumu (24-25/04) / Léa Perret (26-27/04)
SCÉNOGRAPHIE=Heidi Folliet
CRÉATION DES MUSIQUES=Soizic Martin
CRÉATION & RÉGIE LUMIÈRE=Jérôme Bertin
DATES
Mercredi 24 avril → 19h00
Jeudi 25 avril → 19h00
Vendredi 26 avril → 19h00
Samedi 27 avril → 19h00
INFORMATIONS PRATIQUES

20€ → Tarif plein
15€ → Réduit ( séniors | résidents du 18e | Pôle emploi | étudiants | minima sociaux)
10€ → –26 ans

 

by Anna G

Jeudi 14 mars 2019 – Paris – Apéro littéraire « Les femmes qui écrivent sur le monde du travail »

apéro littéraire

by Anna G

Grand Prix de littérature dramatique 2017 – L’Odeur des arbres de Koffi Kwahulé/Les Discours de Rosemarie de Dominique Richard

• L’Odeur des arbres de Koffi Kwahulé, Éditions Théâtrales

Présentation de l’éditeur : Dans L’Odeur des arbres, on assiste au retour d’une femme dans sa ville natale, en Afrique, après plusieurs années d’absence. Elle revient, mue par la nécessité de connaître les circonstances de la mort de son père. Mais sa fratrie, comme cette terre d’enfance, s’est modernisée et lui est devenue hostile.

L’auteur :

Né à Abengourou (Côte d’Ivoire) en 1956. Dramaturge et romancier, il s’est formé à l’Institut national des arts d’Abidjan, à l’école de la rue Blanche (Ensatt) et à l’université de Paris-III – Sorbonne nouvelle où il a obtenu un doctorat d’études théâtrales. Il est l’auteur d’une trentaine de pièces, publiées aux éditions Lansman, Actes Sud-Papiers, Acoria et Théâtrales, traduites dans plusieurs langues et créées en Europe, en Afrique, en Amérique latine, aux États-Unis, au Canada et au Japon, et de trois romans publiés chez Gallimard et aux éditions Zulma.

• Les Discours de Rosemarie de Dominique Richard, Éditions Théâtrales
Présentation de l’éditeur

Rosemarie Pecola a bien changé dans ce nouvel opus de « La Saga de Grosse Patate ». Cette enfant timide et rêveuse a gagné en assurance. Devenue une vraie pipelette, elle est déterminée à battre sa rivale Géraldine lors de la prochaine élection des délégués de classe. Avec l’aide du beau Hubert, son conseiller en communication, elle recourt au discours politique pour parvenir à ses fins, ce qui va mettre en péril ses amitiés.
Dans une langue toujours aussi drôle et inventive, Dominique Richard propose une parabole de la violence en politique pleine de bruit et de fureur, tout en conservant un regard doux et affectueux sur l’enfance.
L’auteur :
Après des études de philosophie, Dominique Richard (Fontenay-aux-Roses, 1965) reçoit une formation de comédien à l’école du Théâtre national de Strasbourg, puis il joue au théâtre et met en scène plusieurs textes. En 1998, il écrit et crée sa première pièce, pour enfants, Arakis et Narcisse, qui est publiée en 2002 dans la collection « Théâtrales Jeunesse » sous le titre Le Journal de Grosse Patate. Celle-ci est sélectionnée en 2004, 2007 et 2013 par l’Éducation nationale comme œuvre de référence pour le cycle 3 du primaire et inaugure un cycle d’écriture, « La Saga de Grosse Patate », qui met en scène les camarades de la petite fille ronde et douce : Les Saisons de Rosemarie(2004, sélectionnée en 2013 par l’Éducation nationale comme œuvre de référence pour les collégiens), Les Ombres de Rémi (2005), Hubert au miroir (2008, sélectionnée en 2013 par l’Éducation nationale comme œuvre de référence pour les collégiens), Les Cahiers de Rémi (2012) et Les Discours de Rosemarie (2016).
by Anna G

De quoi l’enfer est-il pavé ? Sarah Pèpe

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Sarah Pèpe – Les pavés de l’enfer – Théâtre contemporain L’OEIL DU PRINCE – 2018

J’avais découvert Sarah Pèpe, avec « La ligne », et je parcours depuis son œuvre dramatique avec bonheur. Une œuvre engagée, qui tente de penser le monde, les rapports sociaux, de pouvoir, de domination et de soumission, mais aussi la part inaliénable de nous-mêmes, la possibilité de dire non, de se rebeller et d’inventer son destin. Même si cela consiste à préférer la rue aux hébergements d’urgence. Cette marge, même la plus réduite qui soit,  est celle de nos choix, dont on ne peut se décharger sur personne d’autre.

Une œuvre forte, aux multiples échos, qui aide à penser le monde d’aujourd’hui.

Dans une note, Sarah Pèpe expose les questions qui la taraudent et qu’elle tente de développer et de mettre en scène dans les « Pavés de l’enfer », « La bonne volonté peut-elle ou doit-elle se substituer à l’action publique ? Est-il possible de ne pas compter ce que l’on donne et s’empêcher d’attendre en retour ? Le don a-t-il tendance à devenir une relation de pouvoir ? »

Nous connaissons tous l’expression « L’enfer est pavé de bonnes intentions ». Vouloir œuvrer au nom du bien peut conduire aux pires catastrophes car le bien est une notion morale, à laquelle nous associons des valeurs qui peuvent être différentes selon chacun. Ce qui est bien pour moi ne l’est pas forcément pour quelqu’un d’autre, c’est pourquoi, à la charité, qui dépend de la bonne volonté individuelle, les sociétés ont substitué un système de répartition qui vise à assurer la solidarité entre ses membres.

Sarah Pèpe observe donc « Les pavés de l’enfer », ces bonnes intentions qui virent au cauchemar pour Olivier, sans domicile fixe, qui a sombré dans la grande précarité, hébergé par une famille qui souhaite l’accompagner dans sa réinsertion, et suivi par les conseillers de Pôle emploi qui lui proposent des dizaines de modules sans rapport avec ses qualifications. Elle appuie son propos sur l’analyse du don de Marcel Mauss, selon laquelle, il est nécessairement associé à un contre-don et s’articule autour du triangle « donner-recevoir-rendre » dans une relation de pouvoir.

Un don peut-il être véritablement gratuit ? N’en attend-on pas toujours un retour, une reconnaissance ? Comment Olivier devra-t-il rendre ce qu’on lui a donné ? Et où cela le conduira-t-il ?

A la lecture, on ressent de l’empathie pour ce personnage, qui malgré ses difficultés, se tient debout, alors que tous les autres autour de lui « vacillent ».

J’ai adoré cette lecture, et cela m’a donné très envie de voir ce texte joué. A lire ! A monter ! A jouer !

by Anna G

« La Rabbia », texte de Christian Bach mis en espace par Pauline Rousseau le 19 février à 15H et 19H au Grand Parquet.

 La mise en espace du texte de Christian Bach  » La Rabbia », éditeur fondateur des éditions Koine,  texte  lauréat de l’édition 2017-2018 du concours d’écriture DE L’ENCRE SUR LE FEU  par Pauline Rousseau (L’Inverso-Collectif) aura lieu le 19 février à 15h et à 19h au Grand Parquet.

et Le jour où les poules sont devenues bleues de Damien Dutrait par la compagnie Le Désordre des choses (Guillaume Cayet et Aurélia Lüscher)

En 1962,  Pier Paolo Pasolini, déjà célèbre, grâce à l’accès à des archives de bobines d’actualités de 1945 à 1962, devait répondre à la question : « pourquoi cette peur d’une guerre partout dans le monde ? « , réponse qui deviendra un film « La Rabbia » auquel le texte de Christian Bach me fait inévitablement penser parce que forcément cette période est aussi celle de la guerre d’Algérie.. Avec deux voix off.

Ici , La fille, La mère, Le voisin,  La tante,  L’oncle

J’ai lu dans un article du Monde diplomatique, que les citoyens masculins du Choeur, dans la Grèce antique, devenait les voix de plusieurs générations.Même celles à venir.

Dans la pièce de l’auteur, il manque une génération, le grand-père disparu.

Christian Bach évoque la guerre dans les blessures qu’elle laisse à ceux qui ne l’ont pas vécue.

Le texte commence staccato, les mots se groupent, se détachent, se heurtent, « journées longues, bruits, cris, fureur, la cantine, la sonnerie, courir », une jeune fille dans l’urgence d’une identité à construire, à la mémoire familiale amputée des récits fondateurs, l’exil, la césure, le deuil, comme si la parole était parvenue à un point d’orgue, retardée indéfiniment, raconte sa vie quotidienne et son désir naissant pour un garçon qu’elle croise à la piscine. Elle a la rage, « La Rabbia », qu’ont tant de ces jeunes issus de l’immigration, que l’on n’accepte ni ici, ni ailleurs, surtout s’ils sont « pieds-noirs ».

Christian Bach raconte l’absence à travers des voix de femmes, la présence de l’absence du père, difficile à contenir, parce qu’à elle seule elle dévore tout. La jeune fille qui se heurte aux garçons et à leur désir, qui la blesse.
Au fond, les hommes, même le voisin qui refuse de répondre aux demandes de la jeune fille sur le départ de l’Algérie, ne sont d’aucune aide. Les seuls souvenirs seront transmis par des femmes, la grand-mère, la tante, ceux, douloureux qui ont accompagnés le rapatriement. Texte éminemment politique et poétique, musical.

Cet éditeur, écrivain, musicien, interroge ici la transmission et le féminin. C’est pour moi, assez remarquable. En tout cas, c’est comme cela que je l’ai lu. Car je ne suis qu’une lectrice comme une autre.

« Créé en 2014, DE L’ENCRE SUR LE FEU est un concours d’écriture théâtrale organisé par la compagnie Soy Création. La finalité de ce concours est d’encourager les auteur.e.s de théâtre en devenir.

Cette présentation correspond à la phase de mise en espace des deux textes lauréats de la troisième édition du concours.

Le jury de cette édition était présidé par le collectif Les Filles de Simone qui avait choisi le thème « TRANSMETTRE ».

La compagnie Soy Création existe depuis 20 ans et a créé une vingtaine de spectacles : vous avez pu découvrir récemment Les petites reines au Théâtre Paris-Villette ou La Dama Boba au Théatre 13.

Les deux précédentes éditions du concours ont été présidées par Alexis Michalik et David Lescot. L’appel à textes de la prochaine édition a démarré en janvier, le jury sera présidé par Léonore Confino qui a choisi le thème « ANIMAL ». Informations fournies par l’éditeur.

 

by Anna G

Svetlana Alexievitch, mise en voix, mise en scène

Svetlana Alexievitch, prix Nobel de littérature en 2015, pour « son œuvre polyphonique, mémorial de la souffrance et du courage à notre époque » a créé une oeuvre polyphonique, tissée de témoignages, qui se prête magnifiquement à la scène.

Ainsi ces entretiens de femmes soldats de l’Armée rouge durant la Seconde Guerre mondiale ( « La guerre n’a pas un visage de femme » (1983)), puis ceux des soviétiques ayant participé à la guerre Russo-afghane (« Les cercueils de zinc » (1989)), les témoignages des habitants de la région de Tchernobyl ( « La Supplication – Tchernobyl, chronique du monde après l’apocalypse » (1997) qui a reçu le prix de la paix Erich Maria Remarque en 2001), et pour finir ces centaines de témoignages dans différentes régions de l’espace post-soviétique (« La Fin de l’homme rouge ou le Temps du désenchantement », 2013).

Mise en voix, en espace, incarnés, interprétés, ces textes ne peuvent que nous toucher et susciter de l’empathie pour les victimes de la barbarie humaine.

Hier soir, Anne Rouzier, talentueuse professeure au Conservatoire de Poissy, a choisi de faire travailler ses élèves sur le texte de la Supplication au Théâtre Blanche de Castille à Poissy. Les jeunes comédiens s’en sont emparé avec beaucoup de justesse et de sensibilité.

« Les écrits de S. Alexievitch avancent sans cesse des termes spécifiques au théâtre : monologue, interview, chœur…et mettent en évidence une forme de fresque historique à un moment donné, comme une succession de différents tableaux qui coexistent au sein d’un univers tragique », écrit-elle dans sa présentation.

« Je m’intéresse aux sensations, aux sentiments des individus qui ont touché à l’inconnu. Au mystère« , écrit-elle pour conclure. Magnifique conclusion d’une magnifique personne.

by Anna G

Grand Prix de littérature dramatique 2016 FINIR EN BEAUTÉ de Mohamed El Khatib/ Léonie et Noélie – Nathalie Papin

FINIR EN BEAUTÉ de Mohamed El Khatib, Solitaires intempestifs

Mohamed El Khatib n’a de cesse de mener une enquête sur la langue, à partir de la sienne, sa langue maternelle, l’arabe. il explore les trous de la langue, les mots où les mots français viennent remplacer les mots arabes, les moments où la langue arabe fait défaut, où on n’arrive plus à nommer les choses.

« J’ai réuni l’ensemble du « matériau-vie » à ma disposition entre mai 2010 et août 2013. Je n’ai pas toujours demandé les autorisations utiles. Je ne me suis pas posé la question de la limite, de la décence, de la pudeur. J’ai rassemblé ce que j’ai pu et j’ai reconstruit. Tout est allé très vite et sans préméditation. Cette fiction documentaire est restituée ici arbitrairement sous la forme d’un livre, de façon chronologique, à peu près linéaire. Il n’y a aucun suspense, à la fin on sait qu’elle meurt et que son fils est très très triste. On sait également que si c’était à refaire, j’agirais sans doute différemment. J’aurais été un fils irréprochable. Les parents se demandent toujours s’ils ont été de bons parents. Mais nous, est-ce qu’on a été de bons enfants ? On a été des enfants au niveau, nous ? On a été des enfants olympiques, nous ? »

36 ans. Auteur et metteur en scène, il s’astreint à confronter le théâtre à d’autres médiums (cinéma, installations, journaux) et à observer le produit de ces frictions.
Après des études de Lettres (Khâgne), un passage à Sciences Po, puis au CADAC (Centre d’Art dramatique de Mexico) et une thèse de sociologie sur « la critique dans la presse française » (Dir. Nicolas Pélissier), il cofonde à Orléans en 2008 le collectif Zirlib autour d’un postulat simple : l’esthétique n’est pas dépourvue de sens politique.

Source : Théatre contemporain.net

Finir en beauté (Pièce en un acte de décès)

Léonie et Noélie – Nathalie Papin, Théâtre l’école des loisirs

Deux soeurs jumelles, Léonie et Noélie, se retrouvent une nuit sur les toits d’une grande ville pour contempler à leurs pieds les feux orangés d’un incendie qu’elles ont déclenché. Léonie apprend les derniers mots d’un dictionnaire, Noélie joue au funambule. Aucune raison d’avoir peur. Elles sont fortes, elles sont deux, elles sont une. Combien de temps encore ?

Nathalie Papin publie son premier récit chez Paroles d’Aube en 1995.
Par la suite, la collection théâtre de l’école des loisirs édite l’ensemble de ses écrits depuis sa première pièce, Mange-Moi, en 1999 jusqu’à aujourd’hui.
La plupart de ses pièces ont été mises en scène.
Le Pays de Rien, sa pièce emblématique, donne lieu chaque année à de nombreuses mises en scène dont on peut citer celles de Catherine Anne, Émilie Le Roux et Betty Heurtebise.

Source : Théatre contemporain.net

 

by Anna G

Art de Yasmina Reza / Berling, Darroussin, Fromager – Patrice Kerbrat

« Ils sont trois amis. Ils se nomment : Marc, Serge et Yvan.

Ils sont amis depuis trente ans jusqu’au jour où Serge achète un tableau entièrement blanc (si on cligne les yeux, on peut apercevoir de fins liserés blancs transversaux…).

Serge présente à Marc son acquisition. Marc contemple l’oeuvre et s’enquiert de son prix. Cette scène anodine est le point de départ d’un « cataclysme » entre les trois amis. »

J’ai assisté hier soir à cette pièce au théâtre de Poissy, de manière tout à fait  imprévue, il n’y avait plus de places depuis longtemps et c’est grâce à un charmant monsieur qui cédait les siennes, que nous avons pu avoir le bonheur d’assister à la performance de nos trois trublions. Quelques mots avec Jean-Pierre Darroussin, que j’adore, et la vie soudain devient belle !

Yasmina Reza conduit une pensée critique du jugement esthétique. En effet comment juger de la qualité d’une oeuvre d’art, quels sont les critères qui permettent le jugement esthétique, ou les œuvres d’art ne sont-elles que des produits dont la seule la côte, la valeur marchande va déterminer la valeur ?

Un tableau monochrome va être le point de départ d’une dispute qui va enfler entre trois amis, prétexte à quelques jugements assénés, vis à vis de l’un ou de l’autre. Yasmina Reza passe les relations humaines au vitriol , n’a-t-on des amis que pour pouvoir parler de soi à un autre, ou par humaine solitude ?

Art est une pièce drôle, cruelle et décapante. Elle est jouée et rejouée et son succès ne se dément pas.

« Écrite en 1994 et traduite dans une quarantaine de langues, la pièce « Art » de Yasmina Reza a été jouée et primée dans le monde entier. Elle a fait l’objet de productions mémorables dont certaines se jouent encore en répertoire. Elle a obtenu de nombreux prix prestigieux dont le Tony Award de la meilleure pièce aux USA et le Laurence Olivier Award de la meilleure pièce au Royaume-Uni. »

De Yasmina Reza

Avec Charles Berling, Jean-Pierre Darroussin et Alain Fromager

Mise en scène : Patrice Kerbrat / Décor : Edouard Laug / Lumière :

Laurent Béal / Assistante mise en scène : Pauline Devinat

by Anna G

Rencontre avec Marjorie Fabre et Marie-Pierre Cattino

Les Éditions Koinè vous convient à une rencontre / lecture le jeudi 24 janvier de sa dernière publication :
Revanche de Marjorie Fabre
en compagnie de Marie-Pierre Cattino pour La vallée aux pommes.
C’est à 18h, au 19, rue de l’Odéon 75006 Paris. M° Odéon.

éd koiné

by Anna G

Grand Prix de littérature dramatique 2013 – Alexandra Badea Pulvérisés

logo CNT

« Pulvérisés » d’Alexandra Badea, l’Arche éditeur

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Présentation de l’éditeur

Quatre métiers, quatre villes : Shanghai, Dakar, Lyon, Bucarest. La vie en entreprise aux quatre coins du monde. Une ouvrière chinoise raconte ce qu’elle subit chaque jour à l’usine : l’humiliation quotidienne. Au même moment, un superviseur de plateau sénégalais dénonce la cruauté dont peut faire preuve son chef d’entreprise pour « faire du chiffre ». Ailleurs, un responsable assurance-qualité voit se détériorer sa relation familiale sous la pression du travail. Et à Bucarest, une ingénieur d’études et développement témoigne de sa difficulté à s’intégrer, à réussir, à gravir les échelons. Le quotidien de ces individus est rude, tranchant, parfois cruel et honteux.

Avec cette pièce à la construction étonnante, Alexandra Badea nous livre une série de portraits et décortique sous nos yeux le système qu’ont généré la mondialisation et ses rouages. Née en 1980 en Roumanie, elle est auteur, metteur en scène et scénographe.

L’auteure

« Née en 1980 Alexandra Badea est auteure, metteure en scène et réalisatrice.

Ses pièces sont publiées depuis 2009 chez L’Arche Editeur et montées en France par elle-même (Le Tarmac à Paris) mais également par d’autres metteurs en scène comme Frédéric Fisbach, Jonathan Michel, Jacques Nichet et Aurélia Guillet, Matthieu Roy, Cyril Teste, Anne Théron (Comédie de Reims, Théâtre National de Strasbourg, Théâtre de La Commune d’Aubervilliers, Comédie de Saint-Etienne, Les Francophonies en Limousin…)
Ses pièces sont traduites en allemand, en anglais, en portugais.
Elle collabore régulièrement avec le réalisateur Alexandre Plank sur des mises en voix de ses pièces pour France Culture (Pulvérisés, Europe connexion, Mondes).
Son premier roman Zone d’amour prioritaire est paru en février 2014 chez l’Arche Editeur.

Son premier scénario Solitudes est réalisé par Liova Jedlicki en décembre 2011, sélectionné au Festival de Clermont Ferrand et diffusé sur France 2. Le film a remporté le prix d’interprétation féminine, la mention de la presse et la mention du jury au Festival de Clermont Ferrand ainsi que le Prix du Jury et Prix du Jury Jeune au Festival d’Ales et le Grand Prix au Festival International de Barcelone.
Au cinéma, elle réalise deux courts métrages « 24 heures » et « Le Monde qui nous perd » (Prix du Meilleur jeune espoir masculin au Festival Jean Carmet). »

by Anna G

J’ai vu, j’ai aimé : Mémoire de fille – Annie Ernaux, Cécile Backès / Subtil dialogue entre le théâtre et la littérature

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Mémoire de fille – Annie Ernaux, Cécile Backès

Sur scène, un chœur, trois femmes, deux hommes, qui initient la narration. Ce qui va nous être joué et narré est l’événement qui a marqué les dix-huit ans, en 1958, d’Annie Ernaux, sa nuit d’amour avec un homme, dans laquelle elle s’éprend, mais devient pour les autres la « putain », la fille facile, dont on peut abuser et qu’on peut maltraiter. Le texte joué questionne dans un va-et-vient entre passé et présent de la narration cette jeune fille dont le souvenir comporte en lui-même des trous d’ombre, des partis-pris que les lettres, les photographies parviennent parfois à rectifier.

Les corps se meuvent, dansent, les images fusent sur un écran au fond de la scène. Deux comédiennes traduisent les deux états du corps, les deux âges, Annie E, l’écrivaine et Annie D, la jeune fille.

Les chorégraphies des corps, les tensions, torsions, parfois contorsions racontent l‘amour, le choc, la déchirure. Pauline Belle a la démarche de l’adolescente un peu gauche, les habits qui préservent la pudeur des jeunes filles de l’époque, col fermé (pas d’échancrure), jupe longue et cintrée. Elle est l’exception, celle dont les résultats scolaires lui offrent les premières marches de l’ascension sociale, même s’il faudra bifurquer un temps vers une formation d’institutrice, métier pour lequel elle n’est visiblement pas faite. On le lui dit. L’université sera sa renaissance, son second souffle, la jouissance intellectuelle.

Judith Henry, Annie E, ordonne par son récit la mémoire, Pauline Belle lui donne chair magnifiquement.

Jules Churin, Simon Pineau et Adeline Vesse font de leurs corps, de savants contrepoints, toujours justes, ils se déploient  avec sensualité, traduisent le désir, la quête, la conquête et le mépris, l’éloignement et l’abandon, la jouissance aussi.

Bravo !

by Anna G

Mémoire de fille – Annie Ernaux/Cécile Bakhès – Théâtre de Sartrouville

Le monde du théâtre est un monde assurément difficile pour les femmes. Je ne parlerai pas des différentes statistiques de l’Observatoire des Inégalités qui en permettent le constat. Or voici une autrice, une metteuse en scène, et une distribution à parité qui mettront peut-être à mal ces statistiques. Souhaitons que ce monde s’ouvre davantage aux metteuses en scène.
texte ANNIE ERNAUX
version scénique CÉCILE BACKÈS, MARGAUX ESKENAZI
mise en scène CÉCILE BACKÈS
avec Pauline Belle, Jules Churin, Judith Henry, Simon Pineau, Adeline Vesse

 » Du désir charnel au désir d’écrire : le récit d’une construction intérieure, adapté du dernier roman d’Annie Ernaux.

Durant l’été 1958, Annie D. a vécu sa première nuit d’amour avec un homme. Cinquante ans plus tard, l’écrivaine qu’elle est devenue, Annie E., interroge la jeune femme qu’elle était et explore les transformations profondes que cette expérience a inscrites en elle. Avec Mémoire de fille, Cécile Backès plonge avec une douceur infinie dans l’écriture belle et abrupte du dernier livre d’Annie Ernaux. La metteure en scène transpose ce récit autobiographique dans un théâtre de l’intime, où s’enchevêtrent les temps et les paysages de la mémoire. »

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by Anna G

La princesse de Clèves, dîner-théâtre au Théâtre de Montansier décembre 2018

 « La magnificence et la galanterie n’ont jamais paru en France avec tant d’éclat. Jamais cour n’a eu autant de belles personnes ni d’hommes admirablement bien faits. Le goût que le roi François Ier avait pour la poésie et pour les lettres régnait encore en France, et le roi, son fils Henri II, bonsoir votre majesté, comme vous aimiez les exercices du corps, tous les plaisirs étaient à la cour. »

Bruno Schwartz  joue « La princesse de Clèves » de Madame de Lafayette, avec talent, et nous emporte dans ce magnifique texte classique dont l’austérité disparaît dans les ombres et les lumières de la scène de ce théâtre somptueux qu’est le théâtre de Montansier à Versailles,  proposant à chaque spectateur une complicité particulière, choisissant au sein du public quelques spectateurs qui assument les rôles de quelques personnages à leur corps consentant, autour d’une table dressée où sera servi le dîner à la fin du spectacle. Des pauses ménagées dans le récit sont consacrées à la description des usages de la table à l’époque de Mme de Lafayette.

« Quand le sucre est mis au goût du jour, il vaut littéralement son pesant d’or. Pour montrer son pouvoir et sa richesse, on le met donc à toutes les sauces… […]

Un très beau moment, une belle soirée, où se conjuguent plaisirs de l’ouïe, plaisir des yeux, et plaisir de la table.

D’après Madame de la Fayette, conception et mise en scène Benoit Schwartz, scénographie Elisabeth de Sauverzac et Benoit Schwartz, lumières Nicolas Villenave

avec Benoit Schwartz, Production Compagnie La Bao Acou, Espace culturel Luxembourg/Meaux

Jusqu’au 05 décembre pour des scolaires et en tournée

by Anna G

Grand Prix de littérature dramatique 2012- Claudine Galea Au bord

Au bord par Galéa

Claudine Galea, lauréate du Grand Prix de Littérature Dramatique 2011 pour Au bord (Editions Espace 34)

Présentation de l’éditeur

« Ecrit à partir de la célèbre photographie de la soldate tenant en laisse un prisonnier à Guantanamo, Au bord mêle l’intime et le politique pour interroger l’humain.

C’est un texte inclassable dont la force, évidente, hante.

« J’ai écrit Au bord en 2005.
J’en ai fait plusieurs lectures publiques, seule ou avec des musiciens.
J’en ai publié une version dans la revue Frictions, avec une présentation de Françoise Lebrun qui m’avait entendue le lire. 
Lors de chaque lecture ou performance, les réactions ont été vives. Remerciements ou oppositions, la parole appelait des paroles en retour, après un temps de silence, une forme de réanimation du cœur et des idées. Je reprends ici des mots qui ont été prononcés par des auditeurs-spectateurs.
(…)
Ce n’est pas une pièce de théâtre au sens habituel du terme, encore qu’aujourd’hui le théâtre soit « off limits » pour reprendre le titre d’une magnifique pièce d’Arthur Adamov. Mais c’est un texte pour la scène, c’est un texte à porter en public. »
[Claudine Galea, 2010] » »

L’auteur :

Depuis septembre 2015, Claudine Galea est auteure associée au TNS, sous la direction de Stanislas Nordey.

Le Théâtre de Claudine Galea est publié aux Éditions Espaces 34

by Anna G

Grand Prix de littérature dramatique 2010- Identité de Gérard Watkins

Identité de Gérard Watkins, Voix navigables

« Marion Klein et André Klein forment un couple de jeunes européens. Ils ont fait des études, ne travaillent plus, et vivent dans une certaine précarité. Marion Klein a perdu son appétit, et n’arrive plus à manger. André Klein lit sur l’étiquette d’une bouteille de vin qu’ils peuvent gagner de l’argent en répondant à une question. Cette question va les mener malgré eux dans une quête identitaire qui va bouleverser leur existence et leur relation amoureuse. »

L’auteur :

« Né en en 1965 à Londres, Grande-Bretagne
De père anglais, Peter Watkins, cinéaste, et de mère française, Françoise Watkins, institutrice
Est acteur, auteur, metteur en scène, compositeur interprète.

A passé une partie de son enfance à l’étranger, à New York, Los Angeles, au Nouveau-Mexique, à Oslo, et à Stockholm. Il vit en France depuis 1973. »

 

by Anna G

Grand Prix de littérature dramatique 2009/ La conférence de Christophe Pellet

  • La Conférence de Christophe Pellet, L’Arche Éditeur

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Présentation de l’éditeur »La Conférence, long monologue d’un personnage à la verve bernhardienne. Cet homme au verbiage illuminé s’en prend au système culturel français. Tel Don Quichotte il s’enflamme et se lance dans un combat perdu d’avance, non contre des moulins à vent et des chimères mais à l’inverse, contre le bloc imprenable d’une autorité certifiée par des fondations kafkaïennement bureaucratiques et par la langue de bois de tous ceux qui y trouvent leur compte. »

L’auteur :

« Christophe Pellet est un auteur et réalisateur français né à Toulon. Il est diplômé de la FEMIS en 1991, section scénario.

Il a publié une quinzaine de pièces chez L’Arche Éditeur depuis 2000. En 2006, il obtient la Bourse Villa Médicis Hors les murs à Berlin et reçoit en 2009 le Grand Prix de Littérature Dramatique pour sa pièce La Conférence. Ses pièces sont montées par Stanislas Nordey, Matthieu Roy, Jacques Lassalle, Madeleine Louarn, Anne Théron, Michael Delaunoy, Jean-Pierre Miquel, Jean-Louis Thamin, Renaud-Marie Leblanc…. Ses pièces sont également jouées en Allemagne et en Angleterre. En 2017, Stanislas Nordey met en scène Erich von Stroheim avec Emmanuelle Béart.

En 2012, il publie à L’Arche son premier essai, Pour une contemplation subversive qu’il présente sous forme de performance à la Chartreuse dans le cadre du Festival d’Avignon et dans différents théâtres.

Christophe Pellet a traduit Atteintes à sa vie de Martin Crimp (cotraduction avec Michelle Pellet. L’Arche Éditeur, 2002), Stroheim de Dimìtris Dimitriàdis (cotraduction avec Dimitra Kondylaki, Espace 34, 2009) et Un crime d’honneur d’Etel Adnan (cotraduction avec Michelle Pellet, L’Arche Éditeur, 2011).

En tant que cinéaste, Christophe Pellet a réalisé six films qui font l’objet d’une rétrospective à la Cinémathèque Française en novembre 2016 : Le Garçon avec les cheveux dans les yeux (2009) avec Édith Scob, Soixante-trois regards (2010) avec Mireille Perrier, Dominique Reymond, Françoise Lebrun, Katarzyna Krotki, Plus dure sera la chute (2011), et Seul le feu (2013) avec Mireille Perrier et Stanislas Nordey, Exoplanète (2014) avec Mireille Perrier et Burning Bridges (2016). »

by Anna G

Vous pensiez qu’il n’y avait aucune femme dramaturge avant le XIXe siècle ? Que nenni…

« Pour la première fois en France, une anthologie réunit une cinquantaine de pièces écrites par des femmes dramaturges entre le XVIe et le début du XIXe siècle…

Enfin, toute l’énergie rassemblée par les chercheuses et les féministes de tous les continents portent enfin leurs fruits. Les auteures effacées des Histoires littéraires et des anthologies vont enfin pouvoir reprendre leur place grâce à ce magnifique travail de recherche et d’édition. Et dans une collection prestigieuse, puisqu’il s’agit des classiques Garnier (J’y ai lu « Le discours de la méthode de Descartes ! ) Vous pensiez qu’il n’y avait aucune femme dramaturge avant le XIXe siècle ? Que nenni…

Je vous invite à lire ce très bon article sur Catherine Bernard, dont l’oeuvre fut plagiée par … Voltaire !  Et dont un lent travail de sape fit oublier jusqu’à son nom. Mais elle n’est pas la seule … Des auteures oubliées parce qu’effacées

 » Les cinq volumes de cette anthologie au format poche présentent une trentaine d’autrices de théâtre nées sous l’Ancien Régime, dont la production s’étend des années 1530 (la reine de Navarre, première dramaturge connue à ce jour), jusqu’aux dernières productions théâtrales de Mme de Staël-Holstein (1811). En tout, une cinquantaine de pièces qui retracent l’Histoire du théâtre à travers la production de ses autrices, dans les différents genres dramatiques où elles se sont illustrées : comédies, tragédies, tragi-comédies, pastorales, drames, proverbes dramatiques… Les registres couvrent aussi bien la scène professionnelle que le théâtre amateur, dans des domaines aussi variés que les comédies religieuses de Marguerite de Navarre, le théâtre d’éducation de Mme de Genlis ou les pièces politiques révolutionnaires d’Olympe de Gouges. Presque toutes ces pièces ont été jouées, et près de la moitié ont été représentées sur les scènes de la Comédie-Française ou de la Comédie-Italienne. C’est donc tout un pan du répertoire dramatique français qui est ainsi remis à jour, offrant là une nouvelle page de l’histoire littéraire des femmes sous l’Ancien Régime, encore méconnue malgré les recherches de plus en plus nombreuses menées au cours de la dernière décennie. A travers les pièces de théâtres de ces autrices, professionnelles ou amatrices, se fait également entendre la voix de femmes décidées à braver l’interdit traditionnel d’un genre dit « mâle », pour accéder à la parole publique et à la mise en scène des rapports de sexe dans l’espace social et politique que constituait le théâtre de l’Ancien Régime. » Présentation de l’éditeur

Une équipe éditoriale internationale…

La direction de l’anthologie est assurée par trois spécialistes du théâtre des femmes sous l’Ancien Régime : Aurore EVAIN (Sorbonne Nouvelle), Perry GETHNER (Oklahoma State University) et Henriette GOLDWYN (New York University). La présentation et l’annotation des textes sont réalisées en collaboration avec des spécialistes reconnu-es des autrices/de la littérature féminine/du théâtre.

5 volumes brochés, format poche, textes en orthographe et ponctuations modernisées…

  • volume 1 : XVIe siècle. Marguerite de Navarre, Louise Labé, Catherine Des Roches. Parution : décembre 2006. 562 p., 10€.
  • volume 2 : XVIIe siècle. Françoise Pascal, Mme de Villedieu, sœur de La Chapelle, Anne de La Roche-Guilhen, Mme Deshoulières. Parution : mai 2008. 624 p., 15€.
  • volume 3 : XVIIe-XVIIIe siècle. Catherine Bernard, Mme Ulrich, Catherine Durand, Marie-Anne Barbier, Mme de Sainctonge, Mme de Gomez. Parution : 2009.
  • volume 4 : XVIIIe siècle Mlle Monicault, Mme Ricobonni-Baletti, Mme de Staal-Delaunay, Mme Duboccage, Mme de Graffigny, Mme de Montesson, Mme Benoist. Parution : 2010.
  • volume 5 : XVIIIe-XIXe siècle Mme de Genlis, Fanny de Beauharnais, Mlle de Saint-Léger, Olympe de Gouges, Isabelle de Charrière, Mme de Staël-Holstein. Parution : 2011.

Un site « compagnon »…

Ce site internet présente les volumes, accompagnés de documents inédits et d’extraits de pièces, ainsi que toute l’actualité consacrée au théâtre de femmes de l’Ancien Régime : articles, colloques, lectures, représentations, etc.

Des lectures videos

Un DVD de la lecture du Favori de Mme de Villedieu a été réalisé, sous le parrainage du GRAC (Université Lyon 2), de l’Université de Saint-Etienne, de l’Université de Liège et du département de français de l’Université de New York. Destiné aux centres de recherches, bibliothèques et départements universitaires, il est disponible au prix de 35€. (contact)

En savoir plus sur le projet

« Théâtre de femmes : les enjeux de l’édition », Agoravox.

by Anna G

La nostalgie des blattes, un trio de feu avec Catherine Hiegel, Pierre Notte  et Tania Torrens 

Deux monstres sacrés, deux comédiennes dont la présence fait vivre, frémir et haleter le plateau. Oui, tout est chamboulé, les lumières, même le rideau qui pourrait en trembler et un souffle gagne la salle, ravit les spectateurs. Elles sont deux femmes. Belles et souveraines, habitées par le temps qui passe, qui a passé, et qui passera encore un peu.

Elles attendent… Assises sur deux chaises, en mouvement, mais immobiles car les mouvements sont intérieurs, parfois violents, parfois tendres mais plus rarement. Un geste vers l’autre, vite interrompu, une parole amène, vite brisée.

On venait les voir comme au musée, ces deux belles vieilles, non retapées, non retouchées, dont les rides, les joues qui tombent, les poches sous les yeux constituent une curiosité dans un monde futuriste où le jeunisme, le bon ton, et un idéal du bonheur règnent en maître.

Elles résistent encore… Elles attendent, mais qui viendra dans ce musée qui semble étrangement désert…

Ce sont Catherine Hiegel et Tania Torrens qui ont soufflé à Pierre Notte l’idée de cette pièce où deux femmes, les seules vieilles qui existent encore, se livrent à un combat sans merci.

Texte et mise en scène Pierre Notte | avec Catherine Hiegel et Tania Torrens | lumière Antonio de Carvalho | son David Geffard | administration, diffusion et production En Votre Compagnie | photo © Giovanni Cittadini Cesi

production Compagnie Les gens qui tombent | coproduction Théâtre du Rond-Point ; Théâtre Montansier de Versailles

création le 5 septembre 2017 au Théâtre du Rond-Point, vue hier soir au théâtre Montansier à versailles

Cette pièce voyage, si elle passe près de chez vous, ne la manquez pas !

by Anna G

Anna Karénine par Golshifteh Farahani

by Anna G

Grands Prix de littérature dramatique et de Littérature dramatique Jeunesse 2017

Je n’en avais pas parlé, donc voici le planning :

– 17 mars : les éditeurs envoient leur choix d’ouvrages à ARTCENA
– 12 juin : 1er tour de délibération du jury
– 11 septembre : 2e tour de délibération et annonce publique des 8 ouvrages finalistes
– 9 octobre : 3e tour de délibération et cérémonie de remise des Prix.

La cérémonie se déroulera au Conservatoire National Supérieur d’Art Dramatique en présence des auteurs finalistes et de leurs éditeurs, du jury, de la presse et des partenaires.

Les élèves du CNSAD, préparés par Robin Renucci, liront des passages des huit oeuvres finalistes.

ARTCENA oeuvre ensuite à la mise en lumière et à la promotion de ces textes primés par une campagne de communication et de diffusion.

by Anna G

Une chambre en Inde – une création collective du Théâtre du Soleil jusqu’au 2 juillet 2017 à la cartoucherie de Vincennes.

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Une chambre en Inde – une création collective du Théâtre du Soleil, dirigée par Ariane Mnouchkine, musique de Jean-Jacques Lemêtre, en harmonie avec Hélène Cixous, avec la participation exceptionnelle de Kalaimamani Purisai Kannappa Sambandan Thambiran, Représentations du mercredi au vendredi à 19h30, le samedi à 16h, le dimanche à 13h30, Durée du spectacle 3h30 + entracte de 15 minutes jusqu’au 2 juillet 2017 à la cartoucherie de Vincennes.

Le théâtre, et plus largement l’art, éclaire, donne à voir et à comprendre, mais aussi à sentir, à travers nos émotions, ce qui nous déchire et nous soumet parfois impitoyablement à la question. Que nous veulent-ils, que faut-il faire ? Où et comment agir ?

Les spectateurs qui ont assisté ce dimanche 23 avril à la représentation, ont dû entendre de multiples résonances à la situation politique française, aussi lointaine que puisse paraître, au premier abord, cette chambre en Inde. Ce jour rappelait aussi la naissance de Shakespeare, le  (vers le ) 23 avril 1564 ; comme l’a souligné Ariane Mnouchkine, « En un tel jour, rien de vraiment grave ne peut arriver. »

La troupe a décidé de désamorcer le pathos, en faisant de la scène du théâtre, le lieu d’une comédie où se joue le spectacle (tragique) du monde. Le rire peut-il combatte l’horreur ?

Cette chambre, lieu clos, est traversée de toutes les rumeurs et de tous les éclats qui secouent notre monde : la condition des femmes, le réchauffement climatique, l’extrémisme politique et religieux. D’ailleurs de larges fenêtres sont ouvertes sur les bruits de la rue, et le téléphone apporte les nouvelles, souvent mauvaises, de ce qui se passe ailleurs; les intrusions oniriques ou réelles nous rappellent qu’il est impossible de se tenir à l’écart, et d’être simplement spectateur : tout le monde peut-être touché un jour par la fureur et la désolation..

Et c’est la philosophie du Théâtre du Soleil, cosmopolite, composé d’une vingtaine de nationalités, certains acteurs venant d’Afghanistan, d’Irak ou de Syrie, de se tenir dans un constant dialogue avec l’autre, et de se nourrir de ce qui est étranger.

Curieux du monde et des autres, le théâtre du Soleil, emprunte la forme artistique du Teru Koothu, théâtre populaire découvert lors d’un séjour avec la troupe à Pondichéry début 2016, peu après les attentats du mois de novembre. Sur scène, le Kattiyakaram, personnage central, mène le jeu au milieu des danses et des chants accompagnés par les musiciens. Ces spectacles se jouent souvent des nuits entières dans les villages et racontent, entre autres, les épopées du Mahâbhârata et du Ramayana.

Les visions que Cordélia a la nuit sous forme de cauchemars font irruption selon leur propre logique. Aussi ne faut-il pas chercher la cohérence narrative dans la sécurité d’une intrigue. Les saynètes se croisent et s’entrecroisent pour former la trame du récit, conduit au fil d’une question lancinante qui revient jusqu’au bout : « L’art peut-il sauver le monde ou est-il parfaitement inutile ? » Que peut le théâtre face à un fusil ou des bombes ? Il dénonce depuis toujours, et il désamorce le désespoir en nous donnant le goût de la lutte.

Une vidéo montre des comédiens représentant le Roi Lear, dans une cave d’Alep, sous les bombardements.

Ils ne seront pas oubliés.

by Anna G

Miroir d’Elles

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A voir au Théâtre du Marais, du 1er au 31 octobre, d’après des textes de Franca Rame et Dario Fo (Prix Nobel de littérature), Jean-Gabriel Nordmann, Gérard Levoyer, Lise Martin, Guy Foissy, Xavier Durringer (D’ailleurs en parlant de Xavier Durringer, si vous n’êtes pas encore allés voir « Acting » avec Nils Arestrup et Kad Merad, courez-y, c’est excellent.)

« Les monologues, drôles, tragiques, tendres et graves, sont tous des témoignages de fragments de vie de femmes. Elle est toutes ces femmes.

9 femmes comme autant de facettes que l’on croise dans le miroir. Chacune est un instantané de vie: drôle, léger, émouvant, tragique. C’est selon… Dans sa robe noire, elle entre et livre des témoignages poignants, des confessions pathétiques ou des confidences mutines Elle est toutes ces femmes.

Miroir d’Elles a reçu le prix des P’tits Molière 2015, catégorie « Meilleur seul en scène  »

by Anna G

Cut d’Emmanuelle Marie / Festival d’Avignon

J’ai vu cette pièce dans le cadre du off d’Avignon, et si vous y êtes cette  semaine, je vous la recommande. Elle voyage aussi, et peut donc se jouer près de chez vous. Elle existe en plusieurs versions : sous forme de lecture spectacle, trois voix, trois pupitres, un accordéon et également dans le cadre d’un théâtre participatif, dans des ateliers  (de 30 à 40 heures) animés par les comédiennes . Les participantes intègrent la mise en scène à travers un chœur de femmes. Enfin sous sa version longue, celle que j’ai vue la semaine dernière.

Cette pièce était brillament interprétée par Stéphane Dupéray, Clara Marchina, Pauline Woestelandt qui joue en alternance avec Inès Lopez (Compagnie Sapiens Brushing), mise en scène avec brio par Laurence Laburthe

« Cut veut dire couper, séparer. le mot sexe vient de sexus, mais viendrait aussi de secare, qui veut également dire en latin … séparer. Je trouvais que c’était amusant d’avoir le fond et la forme réunis dans un même titre… » Emmanuelle Marie

Pour Cut, achevé en juin 2001, elle reçoit une aide à l’écriture du ministère de la Culture et du conseil général du Pas-de-Calais. Il a été présenté au Théâtre du Rond-Point en juin 2003, dans une mise en scène de Jacques Descorde.

En 2006, elle atteint la consécration avec le montage de sa pièce Blanc au Théâtre de la Madeleine. Mise en scène par Zabou Breitman, interprétée par Isabelle Carré et Léa Drucker la pièce est créée en septembre et doit être prolongée. Le spectacle est deux fois nommé aux Molières 2007 pour la lumière d’André Diot, et pour le décor de Jean-Marc Stehlé. Le texte est traduit en allemand. Elle décède en 2007 des suites d’une maladie.

Trois dames se croisent dans les toilettes publiques. Pourquoi les filles pissent-elles assises ? se demandent-elles. Et c’est quoi ce « ça » entre leurs jambes, qui les fait femmes. Mystérieux, intérieur/extérieur, le sexe féminin, si difficile à nommer, qui les enferme parfois, organe de jouissance ou organe silencieux, se dévoile peu à peu à travers l’histoire de ces trois femmes.

Elle font parfois chœur, se répondent en duos, ou en trios et tentent de cerner leurs relations avec les hommes. Les corps se raidissent ou entrent en mouvement dans l’acte d’amour qui est une forme de danse, jamais impudique; l’amour se chante aussi porté par la voix magnifique de Clara Machina qui vocalise sur le mot « masturbation ». Les corps se libèrent, la parole devient cri, chant, revendication, confession, admonestation. Elle dit aussi l’ambiguïté et le paradoxe, le désir d’amour, et la violence qui parfois en tient lieu, la relation à soi et à l’autre.

A voir…

 

by Anna G

« Elle » suivie de « Tirée au cordeau » de Marie-Pierre Cattino

Je n’ai malheureusement pas pu voir cette pièce à Avignon, mais elle semble tout à fait digne d’intérêt.

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Sa pièce Elle (Editions Avant-scène – Quatre-Vents) est actuellement à l’affiche au Festival Off à Avignon au Théâtre de la Bourse du travail -CGT 8, rue Campane à 16 h 40.
« Elle » est partie en claquant la porte il y a une dizaine d’années et « Elle » revient voir ses parents, prétextant un reportage sur les banlieues.
 Pourquoi ce départ précipité ? Pourquoi ce besoin de revenir après 10 ans d’absence ? 
Dans ce huis-clos familial, le drame passé refait surface au détour et au-delà des mots.

Se mélangent les envies de savoir et d’occulter, les envies de dire et de taire.

« Tous ceux qui lisent ou liront « Elle »  seront comme moi impatients de voir cette « Elle » sur scène, car c’est pour la scène que Marie-Pierre écrit, pour les comédiens, pour la lumière du plateau, pour être incarnée en somme. » Jean-Claude Grumberg

Mise en scène : Ivan Ferré
Avec : Aïni Iften, Laure Vallès et Pierre Azaïs

Informations données par Christian Bach des Editions Koinè où elle est également publiée. ( Les larmes de Clytemnestre – juillet 2011)

by Anna G

Qui a peur de Virginia Woolf d’Edward Albee, mise en scène d’Alain Françon avec Dominique Valadié et Wladimir Yordanoff

Une scène de ménage cruelle et oppressante qui durera de 2h du matin jusqu’à l’aube. Après une soirée bien arrosée, déjà bien éméchés, Martha et Georges, mariés depuis vingt ans, reçoivent un jeune couple de leur connaissance. Derrière l’apparence bien lisse d’un couple d’universitaires bourgeois, se cachent deux êtres à vif, blessés, désabusés qui pour vivre encore un peu ont institué entre eux un jeu cruel, à coups d’humiliations, d’insultes et de coups bas. L’autre couple offre la façade de deux jeunes bien élevés, qui se fissure bientôt pour laisser apparaître l’arrivisme absolu du jeune homme, et le désir désespéré d’une femme qui ne parvient pas à avoir d’enfant. La pièce tourne aussi autour de cet enfant fantasmé, non désiré chez le vieux couple, et celui espéré, idéalisé encore chez le jeune couple. Tout l’intérêt de la pièce est son rythme, la montée graduelle d’une tension implacable qui les conduira jusqu’à l’abîme. C’est dans cette tension que réside la force de la pièce, et les non-dits, le désespoir et l’ennui qui torturent les personnages touchent toute la question du couple, de l’amour conjugal, des illusions dont nous nous nourrissons et qui finissent par nous tuer.

Cette pièce a de nombreuses nominations aux Molières. La cérémonie aura lieu le 23 mai aux Folies-Bergère. C’est Alex Lutz qui l’animera et elle sera retransmise en direct.

Molière du Théâtre privé, Molière du Comédien dans un spectacle de Théâtre privé Wladimir Yordanoff dans « Qui a peur de Virginia Woolf ? » de Edward Albee, mise en scène Alain Françon, Molière de la Comédienne dans un spectacle de Théâtre privé, –Dominique Valadié dans « Qui a peur de Virginia Woolf ? », Molière du comédien dans un second rôle, Pierre-François Garel dans « Qui à peur de Virginia Woolf ? », Molière du Metteur en scène d’un spectacle de théâtre privé, Alain Françon pour « Qui a peur de Virginia Woolf ? »

by Anna G

Nathalie Akoun Une histoire de clés – Une Médée moderne

Vignette Les femmes et le théatre« Une femme se retrouve seule à élever ses enfants, car son mari s’est enfui du cocon familial. Perdue, dépassée par les événements de sa propre vie, elle dérape, un jour. Accusée de laxisme pour n’avoir pas fermé à clé la porte de chez elle un soir, elle est jugée responsable des agissements de son fils, sorti durant la nuit. En voulant le défendre corps et âme, elle commet l’irréparable, au nom de l’amour maternel. » Editions l’Avant-scène théâtre.

Date de parution  : 01/09/2008  Genre  Drame Drame moderne Collection des quatre-vents.

La création d’Une histoire de clés a eu lieu le 3 décembre 2005 au Théâtre de l’Atalante dans une mise en scène d’Olivier Cruveiller. Nathalie Akoun y interprétait la Femme.
     J’ai assisté à la représentation de cette pièce à la salle Jacques Tati à Saint-Germain en Laye hier soir.
Le personnage est passionnant : mère qui ne vit qu’à travers ses enfants, elle s’en désintéresse dés qu’ils grandissent. Il lui faut, à chaque fois, être enceinte, et renouer avec ce temps d’avant la révolte adolescente, ce temps de la fusion. Elle aime alors se regarder à travers le regard de ses enfants, puissante et sûre d’elle-même.
      Elle a confiance en eux, dit-elle, une confiance absolue. Ce n’est pas de sa faute d’ailleurs si ça a dérapé, c’est une histoire de clés, oubliées sur la porte. L’aîné est sorti sans sa permission et a fait des bêtises.
     Ce n’est jamais de sa faute,  quelque chose lui échappe « cette boîte noire dans sa tête », et la petite fille qu’elle porte en elle et dont elle aimerait pouvoir se délivrer. Et le père ? Et bien le père est parti, faute de place.  Elle se lave les mains à intervalles réguliers tout au long de la pièce. Qu’a-t-elle donc fait, me direz-vous, pour éprouver ce besoin de pureté, de quelle faute doit-elle se laver ?
      Cette mère, on la croise parfois dans nos écoles, sur nos paliers, une mère un petit peu fragile et débordée par ses enfants qui lui échappent, incapable de poser des règles, de fixer des limites et d’aider ses enfants à grandir. Prisonnière, enfermée dans sa folie.
Nathalie Akoun est toujours dans la retenue et la mesure, jamais dans le débordement ou l’hystérie, précise et juste.
Ce monologue est parfaitement bien construit et très bien écrit. Nathalie Akoun est douée.
by Anna G

Madame Bovary, rhabillée par Paul Emond, Sandrine Molaro et Gilles-Vincent Kapps.. A voir si vous êtes près de Paris…

Il faut voir ce formidable spectacle, où le texte, adapté par Paul Emond révèle des aspects certainement insoupçonnés jusque là. La mise en scène instaure un décalage qui permet de souligner les ridicules ou les faiblesses des personnages, les contre-emploi sont également très réussis et on y croit complètement. L’humour est bien présent et fait de cette histoire une sorte de tragi-comédie où l’on rit volontiers parfois.  La musique, et notamment la performance de Gilles-Vincent Knapps à la guitare (Conservatoire de jazz) donne une coloration et une atmosphère souvent envoûtante. C’est vraiment très réussi.

Du mardi 08 mars 2016 à 19h00  au jeudi 30 juin 2016 à 19h00…

« Quatre comédiens vont conter, chanter, incarner la grande épopée d’Emma Bovary. La révolte romanesque, le combat instinctif d’une femme qui refuse de se résigner à sa condition et cherche, quel qu’en soit le prix, à faire l’expérience sensuelle et exaltante d’une vie où figurent l’aventure, le plaisir, le risque, la passion et les gestes théâtraux.
Une femme, trois hommes, un récit inexorable comme une tragédie, flamboyant comme un drame, mordant comme une comédie.

BOVARYSME, nom masculin : capacité de l’homme à se concevoir autre qu’il n’est.

Le seul moyen de supporter l’existence, c’est de s’étourdir dans la littérature comme dans une orgie perpétuelle.
Gustave FLAUBERT 1858″

by Anna G

Festival d’Avignon off 2015 – Du domaine des murmures avec Leopoldine Hummel – compagnie La Caravelle DPI

Du domaine des murmures (Goncourt des lycéens 2011) – Programme du OFF 2015 – Avignon Festival & Compagnies – Théâtre des Halles, salle de la Chapelle.

femmes-de-lettres les femmes et le théâtre 1 jpg« 1187, le Moyen Âge. Franche Comté, le domaine des Murmures. Le châtelain impose à sa fille unique,« Lothaire-le-brutal ». Esclarmonde, 15 ans, refuse le mariage. Le jour de la noce, elle se tranche l’oreille. Elle choisit d’épouser le Christ. Protégée par l’Eglise elle est emmurée vivante, une recluse. Pourtant, neuf mois plus tard, la pucelle donne naissance à un fils. L’enfant a les paumes percées : les stigmates du Christ…Mystère ? Menace ? Miracle ? Du fond de sa tombe. Esclarmonde va défier Jérusalem et Rome, les morts et les vivants et même le Ciel, pour sauver son fils. « 

J’avais lu le roman de Carole Martinez ( ) que j’avais beaucoup aimé. Léopoldine Hummel donne chair à ce texte avec une grande force et beaucoup de subtilité. Son jeu est d’une grande justesse; elle n’en fait ni trop, ni trop peu. Le personnage a une profonde force morale, et les émotions qui l’agitent laissent voir toute la richesse de son intériorité. Elle murmure, chante, fait vibrer sa voix avec une infinité de degrés. Comment forcer le destin et conquérir sa liberté dans une société qui vous enferme dans un rôle et dans des codes ? Esclarmonde défie le monde et Dieu…
La seule chose qui m’a gênée dans la mise en scène est l’utilisation d’un micro dont la comédienne n’avait absolument pas besoin dans cette petite chapelle. Leopoldine Hummel était lumineuse et inspirée, faisant corps avec son texte, amoureusement. Une belle performance, et la profondeur d’un souffle pendant 1h15.
Interprète(s) : Leopoldine Hummel
Charge de production et de diffusion : Daniel Legrand
Adaptation scénographie et mise en scène : José Pliya
La Caravelle Diffusion Production Internationale, cie de création, se veut un laboratoire pour questionner le « vivre ensemble »Soutien : Conseil Général du Doubs
Cette pièce avait été jouée du 5 mai au 12 juillet au Théâtre de poche Montparnasse avec une autre comédienne, Valentine Krasnochock.
by Anna G

Antigone/Juliette Binoche

by Anna G

Antigone – Sophocle/Ivo Van Hove

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Cette pièce est jouée en anglais surtitrée en français.

 Juliette Binoche (Antigone) apparaît, le vent s’engouffre dans sa tunique noire, et la lune incandescente éclaire la scène.

Vignette Les femmes et le théatreAu centre d’un long plateau noir, dont les côtés recèlent des éléments qui pourraient faire penser à du mobilier de bureau (superbe exploitation à la fin de la pièce), un canapé deux places, et découpée au centre de la scène une fosse rectangulaire d’où apparaîtront et disparaîtront les corps. Un écran vidéo distribue des images mouvantes du quotidien, ou des plans figurant des paysages désertiques. La collaboration pour les décors et lumières de Jan Versweyveld et de Yal Tarden pour la création vidéo est parfaitement réussie. Le décor planté, la pièce peut commencer dans un parti-pris résolument contemporain (costumes-cravates, tailleur et talons hauts) qui va résonner pendant une heure et quarante-cinq minutes avec le monde d’aujourd’hui (le mythe est fécond et parle à toutes les époques) dans la mise en scène particulièrement soignée de Ivo Van Hove.

Photo  Jan Versweyveld

C’est l’affrontement, dans la pièce de Sophocle, de deux conceptions antagonistes de la raison d’état, toute-puissante chez Créon, mais qui doit s’effacer devant le sentiment, l’amour, et la piété filiale pour Antigone. Cependant  la raison déraisonne et l’absolu du sentiment mène à la mort. Aucun compromis n’est possible et Créon, dans son entêtement, ne veut apprendre de personne. Lorsqu’il se décidera à changer, il sera trop tard, et son fils Hémon, accablé par la mort d’Antigone qui lui était promise, se donnera la mort.

Rappelons l’histoire : dans un épisode précédent (Œdipe à Colonne), Antigone et Ismène prennent soin de leur père Œdipe, banni de Thèbes (Sans le savoir,il avait tué son père et épousé sa mère). Ses fils Etéocle et Polynice règnent en alternance sur Thèbes, jusqu’au jour où Polynice devant devenir roi au bout d’un an, son frère Etéocle, au pouvoir, lui refuse l’accession au trône. Une guerre fratricide s’ensuit (raconté avec un point de vue original dans l’Antigone de Buchau). Créon interdit qu’on ensevelisse la dépouille de Polynice sous peine de mort. Or, on sait que ce sont les rites funéraires qui font entrer l’homme dans la civilisation et la culture. Refuser à Polynice une sépulture, c’est lui dénier son humanité sous prétexte qu’il est un ennemi.

Ivo Van Hove établit un parallèle avec la tragédie de la Malaysian Airlines dont l’avion s’est écrasé en Ukraine dans une zone de guerre. Les corps des victimes avaient été laissés en plein champs pendant plus d’une semaine. Lorsque les corps ont été récupérés pour l’identification, le gouvernement néerlandais a décidé d’organiser ensuite un convoi funéraire avec un corbillard pour chaque corps.

Créon donc occupe le trône et règne en tyran. Il essaie de gouverner de façon moderne, de rétablir la paix, de réfléchir sur la meilleure façon de gouverner. Il a une véritable pensée politique autonome. Il ne veut pas faire entrer la filiation et les liens du sang en ligne de compte dans l’exercice du pouvoir parce que la terrible guerre civile due aux deux frères lui a enseigné qu’une société basée sur ces principes est désastreuse, trop soumise aux rivalités et aux affects et donc trop fragile. Son objectif est de parvenir à régner sur une société qui puisse vivre en paix.  Il veut introduire de la rationalité dans la manière de gouverner, avec des lois qui soient les mêmes pour tous, et une vision claire de la citoyenneté. Mais il ignore une composante essentielle : les citoyens qui composent cette société. Il finira seul et brisé parce qu’il ne peut pas s’adapter. Comme on dit il y a la loi et l’esprit de la loi. Avec Créon, il ne pourrait y avoir de jurisprudence. Il veut calquer une structure rationnelle sur la société sans tenir compte de la réalité mouvante et fluctuante auquel tout gouvernement éclairé doit s’adapter. Gouverner en tenant compte des aspirations de ses citoyens est gouverner de façon démocratique.

Juliette Binoche déclarait le mois dernier au magazine Vogue à propos d’Antigone:« Quand on la découvre, on se dit que c’est l’histoire d’une femme contre l’empire masculin, qu’il y a là quelque chose de féministe, et moi ce n’est pas du tout ce qui me touche aujourd’hui, ce que j’ai envie de montrer. Parce que c’est par la féminité qu’elle change le monde, le monde est en mal de féminin.» Je me suis dit que ces deux visions n’étaient pas exclusives l’une de l’autre. Il me semble que le féminisme n’est qu’une revendication politique pour des droits égaux et aussi pour une vision multiple du féminin, selon ce que vit et ressent chacune (et chacun). C’est en tant que femme qu’elle s’oppose à Créon, dans un monde qui refuse le féminin qu’il soit celui d’une femme ou d’un homme et c’est pourquoi il le tient à l’écart du politique. Comme ce monde refuse toute virilité et accomplissement dans l’action des femmes. C’est une pensée ancienne qui déjà pose l’exigence d’une redéfinition du féminin comme un principe éminemment actif. Elle fait, elle agit sur le monde en tant que femme. Le jour où cessera de définir le féminin du côté de la passivité, de l’intuition et de l’affect, on aura fait un grand pas.

Tous les comédiens sont absolument magnifiques et en particulier Patrick O’Kane, le comédien irlandais qui interprète Créon, et s’est déjà taillé une belle notoriété avec son rôle dans « Game of Thrones » (dans la seconde saison en jouant le rôle de Jaqen H’ghar après qu’il ait changé d’apparence).

Kirsty Bushell, telle une liane sur ses escarpins, est parfaitement convaincante dans le rôle d’Ismène, qui échoue à être l’intermédiaire entre deux absolus.
Obi Abili incarne à la fois le garde et le chœur avec une belle présence, Samuel Edward Cook, un Hémon fou d’amour et de douleur, Kathryn Pogson, une Eurydice digne et fière jusque dans son désespoir et le chœur, Finbar Lynch la sagesse de Tirésias et le chœur, et Matthias Minne présente le corps (parfait quoiqu’un peu meurtri) de Polynice et il est presque le seul en plus à ne pas être chauve !.

 Nouvelle traduction : Anne Carson ; Mise en scène : Ivo Van Hove ; Décors et lumières : Jan Versweyveld, Dramaturgie : Peter Van Kraaij, Création vidéo : Tal Yarden, Composition et création son : Daniel Freitag, Costumes : An d’ Huys ; Assistant à la mise en scène : Jeff James ; 2e assistant à la mise en scène : Thierry Mousset, Assistant décor : Ramon Huijbrechts, James Turner, Assistant lumière : Richard Beaton ; Casting : Joyce Nettles, Voix : Patsy Rodenburg, Assistante Photographie : Sjoerd Knibbelaar, Traduction française : Thomas and Neel, Surtitrage : Claire Northey, Directeur technique : Simon Bourne ; Administratrice de production : Anna Paschali, Responsable costumes : Jane Dickerson, Programmateur lumière : Marcus Krömer ; Manager de la compagnie : Tim Speechley, Régisseur Général Adjoint : Emily Porter, Assistante du Régisseur Général, Alexandra Isaacs, Régie lumière : Stevie Porter, Régie son : Neil Sowerby, Régie Vidéo : Gilbert Roper, Technicienne audio/vidéo : Angela Di Tomaso, Techniciens plateau : Jamie Massey/Chris Wilby, Chef habuilleuse : Rebecca Rees, Coiffeuse et maquilleuse : Martina Luisetti.
by Anna G

La Pluie d’été – Marguerite Duras/Sylvain Maurice au CDN de Sartrouville

Théâtre de sartrouville

La pluie d’été mise en scène par Sylvian Maurice

Avec Nicolas cartier, Pierre-Yves Chapalain, Philippe Duclos, Julie Lesgages, Philippe Smith, Catherine Vinatier

Collaboration à la mise en scène, Nicolas Laurent, scénographie et costumes, Maria La Rocca, assistée de Jules Infante, lumière de Marion Hewlett, son de Jean de Almeida, construction décor du Bureau d’Etudes Spatiales, , répétitrices Béatrice Vincent, Olivia Sabran, régie générale Rémi Rose

 

La scène de théâtre est un lieu magique où les mots prennent vie, s’incarnent, où les corps eux-mêmes ont leur propre grammaire, leur syntaxe et où la rencontre du texte et du corps produit une émotion profonde et singulière.

Vignette Les femmes et le théatrePublié en 1990, La Pluie d’été raconte la vie d’une famille d’immigrés –le père, la mère et leurs nombreux enfants, hors de la culture, de la richesse et du pouvoir, vivant en banlieue parisienne, à Vitry, dans une ville dévorée par ses grands ensembles. Individus que l’on pourrait croire impuissants mais qui au contraire sont dotés d’une énergie, d’une vitalité extraordinaires. Ernesto, l’aîné, refuse d’aller à l’école car il ne veut pas apprendre ce qu’il ne connaît pas, mais fréquente tout de même les sorties d’écoles, les lycées, et des universités.

Cela m’a fait penser à une parole biblique que je ne saurais plus exactement situer mais qui dit en substance, « Tu ne m’aurais pas cherché, si tu ne m’avais déjà trouvé. » Peut-être ne cherche-t-on que ce que l’on connaît intimement, profondément, ce qui répond aux questions les plus urgentes que nous nous posons et auxquelles nous avons déjà apporté une réponse. Cela me fait penser à la réminiscence grecque, au christianisme, enfin à un certain mysticisme. Pourtant Ernesto n’est pas replié sur lui-même mais ouvert au monde qu’il observe intensément.

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Lorsque nous sommes arrivés dans la salle, les comédiens étaient assis au bord de la scène, le regard au loin. La mise en scène très dynamique, la scénographie, les lumières impulsent un mouvement qui emporte et captive le spectateur tout au long d’une représentation où l’on ne s’ennuie jamais. Les comédiens sont excellents, la mise en scène intelligente, sensible et efficace.

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« Comme la langue d’origine des personnages n’est pas le français ou bien qu’ils sont analphabètes, Duras invente une langue originale. Surtout, elle donne l’illusion « qu’on pense comme on parle. ». les pensées s’énoncent en direct , au présent, dans un étonnement permanent. Ernesto et sa mère, qui fonctionnent en miroir, accouchent de ce qu’ils ont à dire en même temps qu’ils le disent. La pensée est sur un fil, dans une continuelle reformulation. Les pensées les plus hautes se heurtent à la trivialité d’un parler populaire. […]Au fur et à mesure qu’Ernesto acquiert de nouveaux savoirs (et il assimile tout), il va être traversé par « une conscience de l’inconnaissable ». Ernesto se sert du grand livre brîlé, L’Ecclésiaste. En même temps qu’il s’identifie à david, roi de jérusalem, il en acquiert la pensée tragique : « J’ai compris que tout est vanité/ Vanité des vanités/ Et poursuite du Vent. » explique Sylvain Maurice qui donne à entendre Duras de la plus intelligente façon.

by Anna G

Les réécritures de Médée 9/11 : Medealand de Sara Stridsberg. Le féminin en exil…

Sara Stridsberg – Medealand – L’Arche – 2011 (2009 Sara Stridsberg)

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Vignette Les femmes et le théatre« Quand personne ne te voit, tu peux douter, t’effondrer. Mais tu dois apprendre à t’incliner devant le monde quand il te regarde. Personne n’y échappe. Aucune femme. Pas même toi, Médée » dit la mère de Médée qui apparaît dans une sorte de rêve alors que Médée est allongée par terre sur le sol de la salle d’attente d’un hôpital psychiatrique.

La Médée de Sara Stridsberg est le féminin en exil. La femme marginale, celle qui ne sait pas se tenir dans les limites de la décence, de la raison, celle qui se révolte alors qu’elle devrait se résigner. Elle fait exploser le cadre. Et elle porte toute la douleur et l’indifférence de celui qui n’aime pas. Elle aime Jason qui ne l’aime plus, et cet amour qui lui a donné tant de force la rend immensément fragile, bruyante, pleine de fureur, inconvenante. Sa révolte est absurde et funeste. L’Autre est absolument libre, hors de portée parfois de nos désirs. Le nier, c’est entrer dans la folie.

Il faudrait juste qu’elle puisse l’oublier, et qu’elle parte avec ses enfants. Mais au lieu d’accepter la réalité, elle s’immole dans sa douleur alors que Jason représente la raison, le sort, le destin contre lequel on ne peut rien.

« L’amour c’est le gaz carbonique du sang. L’amour c’est une punition. Dans le futur, personne n’aimera. L’amour sera supprimé. Une barbarie révolue, incompréhensible et antidémocratique. Tout le monde rira de nous, pauvres fous aimants. »

L’amour est une folie relativement inoffensive quand elle est partagée. Celui qui aime seul est comme une toupie aveugle dont la seule force est son propre centre, une force centrifuge. Qui n’a jamais vécu cela ? Aimer quelqu’un qui ne vous aime pas ? A force de tourner sur soi-même, on se disloque :

« Etat de Médée : Détruite. Eteinte. Morte. Etat de Médée : Avale des somnifères. Avale trop de somnifères. Suicidaire. »

Mais que ferait Médée, cette femme charnelle, dont le corps de femme amoureuse est une île délaissée, dont on image les caresses comme autant de chants. Un corps prisonnier de la violence de son désir. Que ferait-elle aujourd’hui ? Comment ne pourrait-elle pas nous toucher ?

Que peut-elle faire ici, dans un monde d’infidèles, de sites de rencontres qui vous aide à truquer vos vies et à mentir ? Comment pourrait-elle vivre aujourd’hui ?

L’amour dure trois ans dit-on, alors Médée est condamnée à mourir sans fin, éternellement.

Jason arrive :

« Bien sûr qu’on va rester amis. Tu t’en remettras. On n’a qu’à s’appeler quand tout sera calmé ? »

Ne disent-ils (et elles) pas tous ça ? Et si on ne s’en remet pas ?

Comment Médée pourrait-elle jamais se calmer ? Elle, l’étrangère sous le coup d’un arrêt d’expulsion. Elle qui n’a plus aucune attaches, rien qui la retienne, ni son amour, ni ses enfants.

« Le verdict est le suivant : Médée est expulsée. Elle doit impérativement quitter le pays. Sans délais. Sous peine d’être reconduite à la frontière avec escorte policière, si elle ne quitte pas le territoire volontairement ».

Dans la pièce de Sara Stridsberg, elle est dans l’après.

Médée tue ses enfants pour ne plus aimer, pour être délivrée. Médée me bouleverse profondément et parle à la femme que je suis.

« Plus de retour possible. Plus rien à détruire. Plus personne à aimer. »

Plus personne…

by Anna G

Les réécritures de Médée 8/11 : L’Assassine Médée 99 de Yonnick Flot

assassine

Yonnick Flot L’Assassine Médée 99, Editions Proverbe, 1999

Vignette Les femmes et le théatreCette Médée-là n’a a priori aucun lien de parenté avec La Médée antique, si l’on excepte quelques détails troublants. Tout d’abord, elle vit, ici en France, en 1999, dans le quartier des Batignolles à Paris. Elle est comédienne et va bientôt être jugée devant un tribunal : elle a assassiné ses deux enfants. On est bien loin de La Colchide et de la toison d’or.

Elle reçoit son avocat commis d’office en prison : son crime épouvantable fait d’elle un monstre et aucun avocat à la réputation établie ne veut la défendre.

D’ailleurs qui est-elle ? Un cas psychiatrique ? Une amante trahie qui sombre dans la déraison ?

Des ressemblances avec la Médée d’Euripide commencent à apparaître à la lecture : son amant s’appelle lui aussi Jason, et comme le Jason corinthien il l’a trahie pour une femme plus jeune, plus belle peut-être qui récolte les honneurs et les succès.

Médée des Batignolles est elle aussi une étrangère : elle vient d’un autre pays « mais il n’était pas de la bonne race, pas de la bonne religion, pas de la bonne géographie, pas de la bonne politique… ». Médée, comédienne, femme, doit jouer son rôle jusqu’au bout dans une pièce écrite avant elle.

Une intéressante mise en abyme structure la pièce : la comédienne qui va jouer Médée ressent quelques angoisses à jouer pareil rôle avant d’entrer en scène: « Pas le trac, la trouille. Pas du public, d’Elle. De jouer son rôle. J’aurais jamais dû accepter. Comment dire l’indicible, traduire l’impensable, l’incompréhensible, l’inexplicable, défendre l’indéfendable ? Je peux tout pardonner à une femme sauf ça ! »

Une comédienne « n’a pas le choix », elle doit dire son texte « jusqu’à la fin ».

« Il me reste à commettre pour l’éternité l’acte de la parole. Le théâtre crie la vérité ; le monde chuchote le mensonge. Je suis l’éphémère immortelle. Je meurs tout juste née mais je renais tous les soirs et le malheur d’exister devient le bonheur de jouer. »

La pièce sera jouée, rejouée sans fin, pour l’éternité. Médée revivra chaque soir devant les yeux des spectateurs. Elle n’aura pas d’échappatoire… Son crime sera posé à jamais devant elle.

by Anna G

Les réécritures de Médée (7/11)- Médée de Franca Rame et Dario Fo in « Récits de femmes et autres histoires »

Dario Fo (Prix Nobel de littérature 1997), Franca Rame, Médée in Récits de femmes et autres histoires

Vignette Les femmes et le théatreDans cette courte pièce, avec un angle de vue très féministe, le mythe de Médée est totalement déconstruit. Qu’est-ce qui est dit du statut de la femme à travers Médée ? Ce mythe a été écrit et réécrit jusqu’au XXe siècle par des hommes. Les femmes qui s’attaquent au mythe le transforment. Les quelques auteures, Sara Stridsberg, Franca Rame (Il est d’ailleurs très curieux que les réécritures soient essentiellement masculines) et Christa Wolf ont un regard très différent sur Médée, Sara Stridsberg en fait un cas psychiatrique (qui peut expliquer le meurtre), Christa Wolf en fait une guérisseuse victime des Corinthiens (elle ne tue pas ses enfants) et Franca Rame le traduit en fonction de rapports sociaux de sexe, dans le cadre d’une société patriarcale, où l’image de la femme est conditionnée par des relations de soumission et de dépendance. Médée donne à Jason la jeunesse et la beauté, et pour cela accepte de vieillir. « Car si deux êtres ne sont pas unis par l’amour VRAI, fait d’affection surtout et de respect, eh bien ! quand tu vieillis et que tu perds ton attrait sexuel, tu es bonne à jeter. » Voilà le statut de la femme : un objet sexuel dont dispose les hommes selon leur désir. Il n’est pas rare, dit-elle, de voir des hommes avec des femmes de vingt ou trente ans plus jeunes et Franca Rame, impertinente, ne résiste pas au plaisir de se moquer des risques sérieux que ces hommes encourent (infarctus etc.) Sa Médée n’est pas une Médée « sentimentale », ivre de jalousie et de colère, mais une Médée révoltée, qui s’adressant aux autres femmes, dénonce la façon dont les hommes se servent de leur maternité pour les aliéner. Elle enjoint ses congénères à tuer symboliquement, bien sûr, à travers une allégorie, leurs enfants. On sait que le féminisme des années 70 a beaucoup fait pour la contraception des femmes, et leur libération du poids des grossesses à répétition qui les enchaînaient au foyer, et les épuisaient physiquement et psychiquement. Il n’y a pas de doute, la Médée décrite par les femmes, ne tue pas ses enfants par amour. L’amour n’est pas toute sa vie ; elle est un être autonome dont les intérêts sont multiples et dont les objets d’attachement ne se limitent pas à un seul homme. Le mythe n’en a pas fini de grandir, nous pouvons en être sûrs…. Texte jubilatoire bien sûr… Franca Rame, née le 18 juillet 1929 à Parabiago, dans la province de Milan en Lombardie et morte le 29 mai 2013 à Milan, est une comédienne, une femme de lettres, auteur de pièces de théâtre ainsi qu’une femme politique italienne. (source Wikipédia)

by Anna G

Les réécritures de Médée (7) : Médée de Hans Henny Jahnn

médée jahnn

Médée de Hans Henny Jahnn traduit par Huguette et René Radrizzani , José Corti , 1988 pour l’édition allemande, 1926 pour la première version, 1998 pour la présente traduction

Vignette Les femmes et le théatre« Médée, c’est moi »[1] aurait pu dire Hans Jenny Jahnn qui se sentait lui-même « femme, marginal, barbare », et a pu « réinventer le mythe de l’intérieur »[2].

La nouveauté de cette transposition au XXe siècle réside dans d’importantes transformations de la version d’Euripide dans le sujet, le déroulement, la thématique et la conception des personnages : tout d’abord Médée est noire, ses fils sont mulâtres et sont parvenus à l’adolescence. Le fils aîné devient amoureux de Créuse mais lorsque le père, Jason, va demander sa main au roi Créon (raciste et xénophobe), ce n’est pas pour son fils qu’il fait cette démarche mais pour lui-même. Doté de l’éternelle jeunesse, Jason a de fréquents et violents appétits sexuels qu’il satisfait autant avec les filles que les garçons. Des relations incestueuses existent dans la famille, le père a des relations sexuelles avec le fils aîné et le fils aîné avec le frère, ce que Jahnn nomme pudiquement « être ami ». Une très grande vitalité sexuelle habite tous les personnages et Médée n’est pas en reste et, bien que vieillissante, attend toujours Jason pour honorer sa couche.

Le prétexte au drame sera donc celui-là : Médée attend en vain Jason qui ne vient plus la voir, tout occupé qu’il est de ses conquêtes. Non seulement il ne viendra plus mais il va en épouser une autre.

L’auteur a adopté la forme du vers libre où prédomine le vers classique allemand (le Blankvers) dans cette version , mais une première version manuscrite a été rédigée en prose.

Plusieurs grands thèmes structurent l’œuvre dans des oppositions fondamentales : la barbare et le civilisé, la femme et l’homme, la jeunesse et la vieillesse, la sexualité et la mort (création et destruction) et lumière et obscurité.

L’auteur critique aussi la société occidentale du début du siècle, colonialiste et raciste :

« Pourquoi les nègres doivent-ils être pour nous des barbares, comme les Colchidiens l’étaient pour les Grecs? – Peut-être seulement parce que nous nions l’histoire de l’humanité et ses grandes nostalgies. ce que les nègres et les Chinois n’ont pas encore fait. Si nous réfléchissons à ce que nous sommes, nous oublierons le mot « barbare ».

« Médée, femme bafouée, victime de l’homme pour lequel elle a tout sacrifié, tenue à l’écart par une civilisation patriarcale, est proche de la nature et des grandes forces qui règnent dans l’univers. Elle est la matrice de l’univers et la puissance destructrice, symbole des forces qui pour Jahnn préside à toute destinée. ».

A signaler que dans le mythe, dans certaines versions, Médée ne tue pas ses enfants, c’est Eumélos de Corinthe (vers 700 avant J.-C 😉 , le premier à introduire l’épisode corinthien, Médée tue ses enfants accidentellement, par la cérémonie de dépeçage destinée à leur assurer l’immortalité ou une jeunesse perpétuelle.

 Hans Henny Jahnn (né le 17 décembre 1894 à Hambourg Stellingen – mort le 29 novembre 1959 à Hambourg) était un romancier, dramaturge facteur d’orgue et éditeur de musique allemand(fondateur des éditions Ugrino-Verlag).

Né Hans Jahn, il changera plus tard son prénom en Henny et ajoutera un « n » à son nom de famille, considérant le bâtisseur de cathédrales Jann von Rostockcomme son ancêtre. Au centre du travail littéraire de Hans Henny Jahnn on trouve l’angoisse existentielle à laquelle l’homme ne peut échapper que par l’amour, l’empathie avec les autres et la création. La perte de l’amour est donc toujours une chute tragique dans les agonies fondamentales au-delà du simple deuil. Jahnn occupe une place singulière dans la littérature allemande et ne peut être assigné à aucun mouvement littéraire. Il a dépassé les éléments expressionnistes présents dans son œuvre de jeunesse pour un style original que l’on peut caractériser de « réalisme magique ». Ses travaux évoquent parfois le Surréalisme en peinture.

Antimilitariste et adversaire résolu du nazisme, figure exemplaire d’une lutte pour la défense de la vie sous toutes ses formes, Hans Henny Jahnn a laissé une œuvre baroque, noire, singulière, considérée par ses pairs comme l’une des plus originales de la littérature contemporaine. (Wikipédia)

[1] Postface de Huguette et René Radrizzani

[2] ibid

by Anna G

Les réécritures de Médée (6) – Médée Matériau de Heiner Müller

heiner mullerMédée Matériau in Germania, Mort à Berlin, 1985 pour la traduction française. traduit de l’allemand par Jean Jourdheuil et Heinz Schwarzinger

Vignette Les femmes et le théatre« Mes textes sont écrits souvent de telle manière que chaque phrase, ou une phrase sur deux, ne montre que la partie émergée de l’iceberg, et ce qu’il y a en dessous ne regarde personne. »
Heiner Müller

La Médée de Heiner Müller me touche particulièrement par sa force brute, forme ramassée en vers, entre théâtre et poésie, toujours au bord de l’implosion. Mais peut-être aussi parce que sa brièveté, entre deux textes (Rivage à l’abandon, Paysage avec Argonautes), éclaire un aspect qui pour moi s’était dilué dans les autres versions beaucoup plus longues, le rapport entre la trahison et la mort. Les propos de Heiner Müller le rendent encore plus bouleversant lorsqu’il raconte ce qui a semblé pour lui la pire expérience de la trahison : « Quand mon père a été arrêté en 33, j’ai compris ce qui se passait. On a jeté pêle-mêle ses livres, on l’a frappé et moi j’ai regardé par le trou de la serrure — ce qui est aussi une situation théâtrale -, et puis je suis retourné dans mon lit. (…) Et puis la porte s’est ouverte, mon père était encadré par deux SA, et il m’a appelé. J’ai fait semblant de dormir. C’était ça, ma trahison. »[1]

Ce thème est éternel car nous faisons chacun notre propre expérience de la trahison ; elle s’inscrit dans notre humanité même, nos failles les plus profondes, trahison d’un amant, d’un ami, d’une idée, d’un idéal, d’un rêve. Ce moment où on est projeté rampant sur le sol condamné à ne plus jamais vraiment se relever.

«  Ma trahison qui fut ton plaisir », « Prends Jason ce que tu m’as donné/ Les fruits de la trahison issu de ta semence. »

Médée a trahi la confiance de son père en aidant Jason à voler la Toison d’or, sa patrie, la Colchide, pour l’envahisseur étranger, son frère qu’elle a tué et dépecé pour ralentir leur fuite.

La collaboration avec l’ennemi dans sa tentative de colonisation, est la première des trahisons de Médée, et peut se lire dans toute l’histoire de l’Europe, pour tous ceux qui à un moment donné ou un autre, ont aimé l’envahisseur étranger.

Une Médée puissante qui résonne de manière vibrante de toute l’Histoire de ce continent mais pas seulement (Que pouvait-on penser des amours d’une vietnamienne et d’un yankee ?).

Heiner Müller est un dramaturge, directeur de théâtre, et poète est-allemand. Après la Seconde Guerre mondiale, il choisit de rester dans la RDA naissante, pour des raisons politiques et personnelles. Ses parents sont passés à l’ouest en 1951 mais il ne les a pas suivis. Nombre de ses textes ont été interdits et joués à l’Ouest avant la chute du mur. Il est mort à l’âge de soixante-six ans[2] , né en 1929 mort le 30 janvier 1996. Directeur du Berliner Ensemble, le théâtre mythique de Bertolt Brecht, « il avait été profondément marqué par la guerre et ses trahisons qui lui inspirèrent une œuvre puissante, provocatrice et sans illusion  sur la nature des hommes et de la politique. » (voir la revue de presse très complète sur le site des Éditions de Minuit).

[1] http://www.theatre-contemporain.net/spectacles/Medee-Materiau-2093/ensavoirplus/idcontent/11527

[2] http://www.leseditionsdeminuit.fr/f/index.php?sp=livAut&auteur_id=1436